henri cartier bresson – Traduction en Allemand – Dictionnaire Keybot

  2 Résultats bizonagro.ru  

Montrer texteMontrer source en cacheMontrer URL avec texte source	Like a photograph by Henri Cartier-Bresson, this 2018 edition of Intermat, the Paris industrial and construction machinery fair, was dominated by sharp contrasts: although it was celebrated in the "official communiques" as yet another success, this opinion is challenged by the figures ....
Comparer pages textesComparer pages HTMMontrer URL avec texte sourceMontrer URL avec langue cibleDéfinir dieci.com comme domaine prioritaire	Diese Ausgabe 2018 der Intermat, die Pariser Messe für Industrie- und Baumaschinen, ist wie eine Fotografie Henri Cartier-Bresson, die sich durch starke Kontraste auszeichnet: In den „offiziellen Pressemitteilungen“ als ein weiterer Erfolg gefeiert, verringerte sich doch die Zahl der Besucher ....

  www.bluebelt.asia  

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Participating Artists: Michael Ancher, Christian Andersson, Diane Arbus, Max Beckmann, Guy Ben-Ner, Oscar Björck, Jenny Brillhart, Sophie Calle, Henri Cartier-Bresson, Auguste Chabaud, John Constable, Honoré Daumier, Thomas Demand, Simone Demandt, DIS, William Eggleston, Tracey Emin, Hans-Peter Feldmann, Fischli / Weiss, Francis Frith, George Grosz, Andreas Gursky, Eberhard Havekost, Georg Hering, Candida Höfer, Hanns Hubmann, Irène Hug, DAS INSTITUT, Christian Jankowski, Sven Johne, On Kawara, K-Hole, Byung Chul Kim, Lee Kit, Martin Kippenberger, Otto Albert Koch, Peder Severin Krøyer, Christian Krohg, Pierre Leguillon, Ligna, Armin Linke und Elina Axioti, Sarah Lucas, Tobias Madison, Johan Marinus Mari ten Kate, Adolph Menzel, Hans Meyboden, Chantal Michel, Olaf Nicolai, Gabriela Oberkofler, Gabriel Orozco, Paul Riess, Reiner Ruthenbeck, August Sander, Markus Schinwald, Laurits Schmidt-Nielsen, Valdemar Schønheyder Møller, Cindy Sherman, Thomas Schütte, Paul Signac, Roman Signer, Florian Slotawa, Chaïm Soutine, Daniel Spoerri, George Stephenson, William Henry Fox Talbot, Guy Tillim, Ryan Trecartin, Rosemarie Trockel, Joseph Mallord William Turner, Laurits Tuxen, Amalia Ulman, Ian Wallace, Franz Erhard Walther, Andy Warhol, Carl Windels, Ann Liv Young, Naneci Yurdagül, Xu Zhen, as well as Hans Ulrich Obrist with a re-interpretation of his project »Hotel Carlton Palace: Chambre 763« from 1993.

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Teilnehmende KünstlerInnen: Michael Ancher, Christian Andersson, Diane Arbus, Max Beckmann, Guy Ben-Ner, Oscar Björck, Jenny Brillhart, Sophie Calle, Henri Cartier-Bresson, Auguste Chabaud, John Constable, Honoré Daumier, Thomas Demand, Simone Demandt, DIS, William Eggleston, Tracey Emin, Hans-Peter Feldmann, Fischli / Weiss, Francis Frith, George Grosz, Andreas Gursky, Eberhard Havekost, Georg Hering, Candida Höfer, Hanns Hubmann, Irène Hug, DAS INSTITUT, Christian Jankowski, Sven Johne, On Kawara, K-Hole, Byung Chul Kim, Lee Kit, Martin Kippenberger, Otto Albert Koch, Peder Severin Krøyer, Christian Krohg, Pierre Leguillon, Ligna, Armin Linke und Elina Axioti, Sarah Lucas, Tobias Madison, Johan Marinus Mari ten Kate, Adolph Menzel, Hans Meyboden, Chantal Michel, Olaf Nicolai, Gabriela Oberkofler, Gabriel Orozco, Paul Riess, Reiner Ruthenbeck, August Sander, Markus Schinwald, Laurits Schmidt-Nielsen, Valdemar Schønheyder Møller, Cindy Sherman, Thomas Schütte, Paul Signac, Roman Signer, Florian Slotawa, Chaïm Soutine, Daniel Spoerri, George Stephenson, William Henry Fox Talbot, Guy Tillim, Ryan Trecartin, Rosemarie Trockel, Joseph Mallord William Turner, Laurits Tuxen, Amalia Ulman, Ian Wallace, Franz Erhard Walther, Andy Warhol, Carl Windels, Ann Liv Young, Naneci Yurdagül, Xu Zhen, sowie Hans Ulrich Obrist mit einer Neuaflage seines Projekts »Hotel Carlton Palace: Chambre 763« von 1993.

  transversal.at  

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The most frequently mentioned objection to Un art moyen is probably that at least certain segments of photography have progressed over the past four decades to become a legitimate cultural practice. In Un art moyen Jean Claude Chamboredon took the part of analyzing so-called “artistic photography”, in other words the area fighting for artistic recognition.[21] He examined virtuoso photographers and their legitimation strategies; Brassai, Henri Cartier-Bresson and Man Ray are quoted at length. All attempts to found a separate aesthetic discourse end in a confusion of statements that only have in common that they express an artistic ambition, but one without a basis in the apparatus itself. According to Chamboredon, legitimacy is constructed by futilely borrowing concepts from the high arts. In this sense, in the early 1960s photography found itself in a situation similar to that of jazz, for example, or film criticism, but with the additional difficulty of having to formulate a different appropriation of the medium contrary to the tremendous spread of photographic practice as an art moyen. Nevertheless, Chamboredon assumes that the virtuoso photographers prepared the way for a legitimate variant of photography, for example through their “unanimous call for the establishment of a museum of photography”.[22] Interestingly, photography was substantially elevated just at the same time that Un art moyen was published. In the Museum of Modern Art in New York, John Szarkowski was appointed head of the photography department as successor to the populist Edward Steichen. Szarkowski sought to transfer Clement Greenberg’s modernism theory to photography with a formalist vocabulary – to thus place his exhibition photographers (e.g. Gary Winogrand, Diane Arbus, Lee Friedlander and William Eggleston) in an artistic context. At the same time, photography was also increasingly appearing in the 1960s in the work of contemporary artists (e.g. John Baldessari, Ed Rucha, Dan Graham). Yet this valorized photography led to a form of practice that had to complete a break, a negation of professional, technically defined photography, in order to paradoxically move closer to amateur photography. In a recently published book on the relationship between art and photography, it is stated that art has become photographic, but not that photography has become an art, because that would suggest a unity that does not in fact exist.[23] In the early 1960s Chamboredon did not sufficiently re

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Der am häufigsten genannte Einwand gegen Eine illegitime Kunst dürfte lauten, dass zumindest bestimmte Segmente der Fotografie in den vergangenen vier Jahrzehnten zu einer legitimen kulturellen Praxis vorangeschritten seien. Jean-Claude Chamboredon hat in Eine illegitime Kunst den Part übernommen, die sogenannte „künstlerische Fotografie“ zu analysieren, also jenen Bereich, der um künstlerische Anerkennung kämpft.[21] Er beschäftigt sich mit den „virtuosen Fotografen“ und ihren Legitimationsstrategien; zu Wort kommen insbesondere Brassaï, Henri Cartier-Bresson und Man Ray. Alle Versuche, einen eigenen ästhetischen Diskurs zu begründen, enden in einem Wirrwarr von Statements, denen nur gemeinsam ist, dass sie eine künstlerische Ambition zum Ausdruck bringen, die aber nicht durch die Apparatur selbst begründet ist. Die Legitimität wird – so Chamboredon – konstruiert, indem Konzepte der hohen Künste vergeblich ausgeborgt werden. Insofern befindet sich die Fotografie Anfang der 1960er Jahre in einer ähnlichen Lage wie z. B. der Jazz oder die Filmkritik, mit der zusätzlichen Schwierigkeit, gegen die enorme Verbreitung der fotografischen Praxis als art moyen eine andere Aneignung des Mediums formulieren zu müssen. Gleichwohl geht Chamboredon davon aus, dass die „virtuosen Fotografen“ zum Beispiel durch ihre „einhellige Forderung nach Einrichtung eines Museums der Photographie“[22] den Weg für eine legitime Spielart der Fotografie bereitet hätten. Interessanterweise erhält die Fotografie just zum Zeitpunkt des Erscheinens von Eine illegitime Kunst einen erheblichen Nobilitierungsschub. Während im Museum of Modern Art in New York mit John Szarkowski als Nachfolger des Populisten Edward Steichen ein Leiter der Fotoabteilung berufen wird, der mit einem formalistischen Vokabular die Modernismustheorie von Clement Greenberg auf die Fotografie zu übertragen versucht – um damit seine AusstellungsfotografInnen ( z. B. Gary Winogrand, Diane Arbus, Lee Friedlander und William Eggleston) in einen künstlerischen Kontext zu bringen –, taucht das Medium Fotografie in den 1960er Jahren zunehmend auch bei zeitgenössischen KünstlerInnen auf (z. B. John Baldessari, Ed Rucha, Dan Graham). Aber die valorisierte Fotografie entwirft eine Praxisform, die vor allem den Bruch, die Verneinung mit der professionellen, technisch definierten Fotografie zu vollziehen hatte, um sich damit paradoxerweise der Amateurfotografie anzunähern. In einer jüngst erschienenen Publikation zum Verhältnis

  8 Résultats comfort-works.com  

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on the other hand is dedicated to the presentation of illustration, poster art, caricature, comics, photography and other genres attributed to the applied arts. Important positions from Gottfried Helnwein and Manfred Deix have been shown as well as works from Wilhelm Busch. Renowned photographers including Henri Cartier-Bresson, Peter Lindbergh, Thomas Hoepker, Jim Rakete and Elliott Erwitt have also been optimally set in scene in the finely proportioned exhibition spaces.

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wird mit ihren von der Antike bis zu aktuellen Kunstpositionen umfassenden Beständen in regelmäßigen Abständen in Ausstellungen, die ungewöhnliche und übergreifende Sujets thematisieren, vorgestellt. Die Basis dabei bildet die Haltung des Sammlerehepaars Peter und Irene Ludwig, dass alle Kulturen der Welt, von der Antike bis zur Gegenwart, eine innere Verbundenheit aufweisen.

  eipcp.net  

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The most frequently mentioned objection to Un art moyen is probably that at least certain segments of photography have progressed over the past four decades to become a legitimate cultural practice. In Un art moyen Jean Claude Chamboredon took the part of analyzing so-called “artistic photography”, in other words the area fighting for artistic recognition.[21] He examined virtuoso photographers and their legitimation strategies; Brassai, Henri Cartier-Bresson and Man Ray are quoted at length. All attempts to found a separate aesthetic discourse end in a confusion of statements that only have in common that they express an artistic ambition, but one without a basis in the apparatus itself. According to Chamboredon, legitimacy is constructed by futilely borrowing concepts from the high arts. In this sense, in the early 1960s photography found itself in a situation similar to that of jazz, for example, or film criticism, but with the additional difficulty of having to formulate a different appropriation of the medium contrary to the tremendous spread of photographic practice as an art moyen. Nevertheless, Chamboredon assumes that the virtuoso photographers prepared the way for a legitimate variant of photography, for example through their “unanimous call for the establishment of a museum of photography”.[22] Interestingly, photography was substantially elevated just at the same time that Un art moyen was published. In the Museum of Modern Art in New York, John Szarkowski was appointed head of the photography department as successor to the populist Edward Steichen. Szarkowski sought to transfer Clement Greenberg’s modernism theory to photography with a formalist vocabulary – to thus place his exhibition photographers (e.g. Gary Winogrand, Diane Arbus, Lee Friedlander and William Eggleston) in an artistic context. At the same time, photography was also increasingly appearing in the 1960s in the work of contemporary artists (e.g. John Baldessari, Ed Rucha, Dan Graham). Yet this valorized photography led to a form of practice that had to complete a break, a negation of professional, technically defined photography, in order to paradoxically move closer to amateur photography. In a recently published book on the relationship between art and photography, it is stated that art has become photographic, but not that photography has become an art, because that would suggest a unity that does not in fact exist.[23] In the early 1960s Chamboredon did not sufficiently re

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Der am häufigsten genannte Einwand gegen Eine illegitime Kunst dürfte lauten, dass zumindest bestimmte Segmente der Fotografie in den vergangenen vier Jahrzehnten zu einer legitimen kulturellen Praxis vorangeschritten seien. Jean-Claude Chamboredon hat in Eine illegitime Kunst den Part übernommen, die sogenannte „künstlerische Fotografie“ zu analysieren, also jenen Bereich, der um künstlerische Anerkennung kämpft.[21] Er beschäftigt sich mit den „virtuosen Fotografen“ und ihren Legitimationsstrategien; zu Wort kommen insbesondere Brassaï, Henri Cartier-Bresson und Man Ray. Alle Versuche, einen eigenen ästhetischen Diskurs zu begründen, enden in einem Wirrwarr von Statements, denen nur gemeinsam ist, dass sie eine künstlerische Ambition zum Ausdruck bringen, die aber nicht durch die Apparatur selbst begründet ist. Die Legitimität wird – so Chamboredon – konstruiert, indem Konzepte der hohen Künste vergeblich ausgeborgt werden. Insofern befindet sich die Fotografie Anfang der 1960er Jahre in einer ähnlichen Lage wie z. B. der Jazz oder die Filmkritik, mit der zusätzlichen Schwierigkeit, gegen die enorme Verbreitung der fotografischen Praxis als art moyen eine andere Aneignung des Mediums formulieren zu müssen. Gleichwohl geht Chamboredon davon aus, dass die „virtuosen Fotografen“ zum Beispiel durch ihre „einhellige Forderung nach Einrichtung eines Museums der Photographie“[22] den Weg für eine legitime Spielart der Fotografie bereitet hätten. Interessanterweise erhält die Fotografie just zum Zeitpunkt des Erscheinens von Eine illegitime Kunst einen erheblichen Nobilitierungsschub. Während im Museum of Modern Art in New York mit John Szarkowski als Nachfolger des Populisten Edward Steichen ein Leiter der Fotoabteilung berufen wird, der mit einem formalistischen Vokabular die Modernismustheorie von Clement Greenberg auf die Fotografie zu übertragen versucht – um damit seine AusstellungsfotografInnen ( z. B. Gary Winogrand, Diane Arbus, Lee Friedlander und William Eggleston) in einen künstlerischen Kontext zu bringen –, taucht das Medium Fotografie in den 1960er Jahren zunehmend auch bei zeitgenössischen KünstlerInnen auf (z. B. John Baldessari, Ed Rucha, Dan Graham). Aber die valorisierte Fotografie entwirft eine Praxisform, die vor allem den Bruch, die Verneinung mit der professionellen, technisch definierten Fotografie zu vollziehen hatte, um sich damit paradoxerweise der Amateurfotografie anzunähern. In einer jüngst erschienenen Publikation zum Verhältnis

  2 Résultats nice.boscolohotels.com  

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  3 Résultats www.museum-folkwang.de  

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The first portion of this selection comes from the glory days of reporting. 86 shots that Swiss photographer Ernst Scheidegger exchanged with his friends, photographers Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Chim Seymour, Werner Bischof, Ernst Haas and others, when he was a member of the Magnum Agency in the early 1950s. A large number of these photos are from news stories from the different wars in the first half of the 20th century. The second portion of the exhibition is made up of images from a single current conflict, the Egyptian revolution, shown from thousands of different perspectives – from young Egyptian photojournalists, the cameras of activists, mobile phone images from "citizen journalists" and documents put together by artists.

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Auf der einen Seite dieser Begegnung stehen die großen Autoren des goldenen Zeitalters der Fotoreportage: die Gründerväter der Agentur Magnum, großartige, zum Teil wenig bekannte Aufnahmen von Robert Capa, Henri Cartier Bresson, Chim Seymour aber auch Abzüge von Werner Bischof, Ernst Haas und anderen, die der Schweizer Fotograf Ernst Scheidegger mit ihnen getauscht hat, als er zu Beginn der 1950er Jahre für die Agentur Magnum gearbeitet hat.

  21 Résultats www.royalview.com.hk  

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  www.sentix.de  

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The 1964 building at Ulitsa Krymsky Val (Krymsky Val Street), which is the Central House of Artist, hosted French art and fashion shows in the early 1980s, including fashion designer Yves Saint-Laurent and photographer Henri Cartier-Bresson. The art of Salvador Dali went on display at the Central House of Artist at around the same time, which was a powerful gust of the "wind of change" for Muscovites. The Central House of Artist is a creative space that welcomes exhibits, concerts, drama performances and other highlights. The Moscow International Open Book Festival was held here in 2006. It is currently the main venue of the New Culture Fest, uniting the artists, architects, designers, musicians and film makers who use new technology in their art. The Central House of Artist hosts temporary shows in addition to its permanent exhibits, some of which are dedicated to Soviet-era art.

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Wegen des anhaltenden Booms in der Fotografie wurde 1996 in der russischen Hauptstadt das Moskauer Haus der Fotographie eröffnet, auf dessen Basis MAMM entstand. Das Museum wurde auf die Initiative von Olga Sviblova, der Regisseurin, Dokumentaristin und Betreuerin der großen Ausstellungen der russischen Kunst im Ausland (Frankreich, Österreich, Finnland und in anderen Länder), eröffnet. Im Museum werden ständig neue Expositionen von Videoinstallationen und Kunstausstellungen unter Verwendung neuer Technologien gezeigt, was eine große Zahl an Besuchern anlockt. MAMM praktiziert auch Wanderausstellungen.

  www.isaidrosanitaria.it  

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How to find the essence of a moment with the camera? Magnum photographer Raghu Rai who, as a young man, was mentored by Henri Cartier-Bresson, seems to know the formula. For many decades, his intensive photographs have shaped the collective memory of India and far beyond. Rai’s images help us to profoundly understand that crises like the Bhopal disaster of 1984 or the excruciating ongoing conflict in Kashmir are by no means temporary news but events which dramatically and permanently affect the lives of the victims.

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Wie erfasst man mit der Kamera die Essenz eines Augenblicks? Der Magnum-Fotograf Raghu Rai, als junger Mann von Henri Cartier-Bresson gefördert, scheint die Formel zu kennen. Seit Jahrzehnten schafft er Bilder, die sich weit über seine indische Heimat hinaus in das kollektive Gedächtnis gebrannt haben. Bilder vor allem, die klar machen, dass Krisen wie die Bhopal Katastrophe 1984 oder der schreckliche Dauerkonflikt in Kaschmir keine vorübergehenden Nachrichten sind, sondern Ereignisse, die das Leben der Betroffenen auf Dauer dramatisch beeinträchtigen.

  rooxinc.com  

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  10 Résultats www.italia.it  

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  arabic.euronews.com  

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Comparer pages textesComparer pages HTMMontrer URL avec texte sourceMontrer URL avec langue cibleDéfinir euronews.com comme domaine prioritaire	Fotos, Abzüge alter Negative, könnten Rick Norsigian, Anstreicher aus dem kalifornischen Fresno, zu einem reichen Mann machen. Die Negative selbst erstand er… 28/07/2010

  4 Résultats www.eztaxmachine.com  

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the photographers Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, David “Chim” Seymour, George Rodgers and the two shareholders Maria Eisner and Rita Vandivert had founded the independent picture agency Magnum as a cooperative of like-minded humanist photographers. After their visit, Ernst Haas began contributing photographs to Magnum while Inge Morath, with her language skills, worked for them as a writer and office assistant.

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hatten die Fotografen Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, David »Chim« Seymour, George Rodgers und die beiden Anteilseignerinnen Maria Eisner und Rita Vandivert in Paris die unabhängige Fotografen-Agentur Magnum als Kooperative humanistisch gleichgesinnter Fotografen gegründet. Nach ihrem Besuch werden Ernst Haas als Fotograf und die sprachgewandte Inge Morath als Autorin und Büromitarbeiterin für Magnum tätig.

  10 Résultats www.parkzoo.ru  

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NZZ Film produces films on the fine arts, photography and design. The following documentaries have been produced since the year 2000: Alberto Giacometti – Eyes on the Horizon, Ettore Sottsass -- The Sense of Things, Ferdinand Hodler -- Das Herz ist mein Auge, Félix Vallotton – Painter against Time, Henri Cartier-Bresson – The Impassioned Eye, Riviera Cocktail – Edward Quinn, Photographer, Nice, and Andreas Walser – The Night Is Brighter Than the Day. These documentary films on art and culture have consolidated the role of NZZ Film as an important Swiss production company. The international success of the film about the Magnum photographer Henri Cartier-Bresson – screened, for example, in movie theatres in Manhattan and in five Japanese cities – has given NZZ Film the impetus to produce further cinema documentaries on photography and on artists with Swiss connections.

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NZZ Film produziert Filme zu Themen der bildenden Kunst, der Fotografie und des Design. Seit 2000 entstanden die Dokumentarfilme «Alberto Giacometti –Die Augen am Horizont», «Ettore Sottsass –Der Sinn der Dinge», «Ferdinand Hodler Das Herz ist mein Auge», «Félix Vallotton –Maler gegen die Zeit» und «Henri Cartier-Bresson –Biographie eines Blicks» und «Riviera Cocktail –Edward Quinn, Photographer, Nice». Anfangs 2007 wird der Film «Andreas Walser –Die Nacht ist heller als der Tag» ins Kino kommen. NZZ Film hat sich als Schweizer Produktionsfirma mit diesen Dokumentarfilmen zu künstlerischen und kulturellen Themen mittlerweile etabliert. Vor allem der internationale Erfolg des Films über den Magnum-Fotografen Henri Cartier-Bresson – er lief unter anderem in Kinos in Manhattan und in fünf japanischen Grossstädten – hat NZZ Film ermutigt, weitere Kino-Dokumentarfilme zur Fotografie, aber auch über Künstler mit Schweizer Bezug zu produzieren.

  www.mtpforni.it  

Montrer texteMontrer source en cacheMontrer URL avec texte source	Presented for the first time in 1955, the exhibition was meant as a manifesto for peace and the fundamental equality of mankind via the humanist photography of the post-war years. Images by artists such as Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Dorothea Lange, Robert Doisneau, August Sander and Ansel Adams were staged in a modernist and spectacular manner.
Comparer pages textesComparer pages HTMMontrer URL avec texte sourceMontrer URL avec langue cibleDéfinir visittroisvierges.lu comme domaine prioritaire	Diese große Ausstellung sollte durch den Einsatz der universellen Sprache der Fotografie das Verständnis zwischen den Menschen fördern. Unter 4 Millionen Einsendungen, wählte Steichen 503 Fotografien von 273 Künsterln -und Amateurfotografen, aus 68 Ländern stammend.

  www.nepagene.jp  

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How to find the essence of a moment with the camera? Magnum photographer Raghu Rai who, as a young man, was mentored by Henri Cartier-Bresson, seems to know the formula. For many decades, his intensive photographs have shaped the collective memory of India and far beyond. Rai’s images help us to profoundly understand that crises like the Bhopal disaster of 1984 or the excruciating ongoing conflict in Kashmir are by no means temporary news but events which dramatically and permanently affect the lives of the victims.

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Wie erfasst man mit der Kamera die Essenz eines Augenblicks? Der Magnum-Fotograf Raghu Rai, als junger Mann von Henri Cartier-Bresson gefördert, scheint die Formel zu kennen. Seit Jahrzehnten schafft er Bilder, die sich weit über seine indische Heimat hinaus in das kollektive Gedächtnis gebrannt haben. Bilder vor allem, die klar machen, dass Krisen wie die Bhopal Katastrophe 1984 oder der schreckliche Dauerkonflikt in Kaschmir keine vorübergehenden Nachrichten sind, sondern Ereignisse, die das Leben der Betroffenen auf Dauer dramatisch beeinträchtigen.

  3 Résultats db-artmag.de  

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If Henri Cartier Bresson defined photography as capturing the "decisive moment"-the instant when the photograph coalesced into visual action in front of the camera-then it was Lorna Simpson who allowed photography to unravel, at least a bit.

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Es war Henri Cartier-Bresson, der die Fotografie durch das Erfassen des "entscheidenden Moments" definierte - der Augenblick, in dem der Fotograf mit dem visuellen Geschehen vor ihm verschmilzt. Bei Lorna Simpson ist es andersherum: Sie erlaubt es der Fotografie, sich wieder zu zerfasern. Zumindest ein wenig. Die 1960 geborene afroamerikanische Künstlerin begann ihre fotografische Laufbahn in den 1980er Jahren. Anfangs widmete sie sich der Straßenfotografie, doch schon bald wandte sie sich der Arbeit mit zerschnittenen und seriellen Bildern oder gefundenem Material wie Pin-ups oder Magazinbildern zu. Häufig basieren ihre Fotoarbeiten auf Studioporträts von schwarzen Frauen, die in alltäglichen, "typisch weiblichen" Posen festgehalten werden. Diese Bilder wirken auf den ersten Blick eindeutig, doch durch die Ausschnitte und die Kombination mit Textfragmenten, die Simpson in ihre Werke integriert, wird eben diese Eindeutigkeit radikal unterminiert: Simpson legt den latenten Rassismus und Sexismus frei, der die amerikanische Kultur noch immer prägt. Mit dieser Praxis befindet sie sich in Gesellschaft von politisch engagierten afroamerikanischen Künstlern wie Carrie Mae Weems, Isaac Julien und Glenn Ligon, die in den 1980ern begannen, Vorstellungen von Rasse und Geschlecht zu hinterfragen. Dabei hat Simpson die unterschiedlichsten Medien eingesetzt und neben der Fotografie und Installation vor allem mit Film und Video gearbeitet.

  3 Résultats db-artmag.com  

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If Henri Cartier Bresson defined photography as capturing the "decisive moment"-the instant when the photograph coalesced into visual action in front of the camera-then it was Lorna Simpson who allowed photography to unravel, at least a bit.

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Es war Henri Cartier-Bresson, der die Fotografie durch das Erfassen des "entscheidenden Moments" definierte - der Augenblick, in dem der Fotograf mit dem visuellen Geschehen vor ihm verschmilzt. Bei Lorna Simpson ist es andersherum: Sie erlaubt es der Fotografie, sich wieder zu zerfasern. Zumindest ein wenig. Die 1960 geborene afroamerikanische Künstlerin begann ihre fotografische Laufbahn in den 1980er Jahren. Anfangs widmete sie sich der Straßenfotografie, doch schon bald wandte sie sich der Arbeit mit zerschnittenen und seriellen Bildern oder gefundenem Material wie Pin-ups oder Magazinbildern zu. Häufig basieren ihre Fotoarbeiten auf Studioporträts von schwarzen Frauen, die in alltäglichen, "typisch weiblichen" Posen festgehalten werden. Diese Bilder wirken auf den ersten Blick eindeutig, doch durch die Ausschnitte und die Kombination mit Textfragmenten, die Simpson in ihre Werke integriert, wird eben diese Eindeutigkeit radikal unterminiert: Simpson legt den latenten Rassismus und Sexismus frei, der die amerikanische Kultur noch immer prägt. Mit dieser Praxis befindet sie sich in Gesellschaft von politisch engagierten afroamerikanischen Künstlern wie Carrie Mae Weems, Isaac Julien und Glenn Ligon, die in den 1980ern begannen, Vorstellungen von Rasse und Geschlecht zu hinterfragen. Dabei hat Simpson die unterschiedlichsten Medien eingesetzt und neben der Fotografie und Installation vor allem mit Film und Video gearbeitet.

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Es war Henri Cartier-Bresson, der die Fotografie durch das Erfassen des "entscheidenden Moments" definierte - der Augenblick, in dem der Fotograf mit dem visuellen Geschehen vor ihm verschmilzt. Bei Lorna Simpson ist es andersherum: Sie erlaubt es der Fotografie, sich wieder zu zerfasern. Zumindest ein wenig. Die 1960 geborene afroamerikanische Künstlerin begann ihre fotografische Laufbahn in den 1980er Jahren. Anfangs widmete sie sich der Straßenfotografie, doch schon bald wandte sie sich der Arbeit mit zerschnittenen und seriellen Bildern oder gefundenem Material wie Pin-ups oder Magazinbildern zu. Häufig basieren ihre Fotoarbeiten auf Studioporträts von schwarzen Frauen, die in alltäglichen, "typisch weiblichen" Posen festgehalten werden. Diese Bilder wirken auf den ersten Blick eindeutig, doch durch die Ausschnitte und die Kombination mit Textfragmenten, die Simpson in ihre Werke integriert, wird eben diese Eindeutigkeit radikal unterminiert: Simpson legt den latenten Rassismus und Sexismus frei, der die amerikanische Kultur noch immer prägt. Mit dieser Praxis befindet sie sich in Gesellschaft von politisch engagierten afroamerikanischen Künstlern wie Carrie Mae Weems, Isaac Julien und Glenn Ligon, die in den 1980ern begannen, Vorstellungen von Rasse und Geschlecht zu hinterfragen. Dabei hat Simpson die unterschiedlichsten Medien eingesetzt und neben der Fotografie und Installation vor allem mit Film und Video gearbeitet.

  4 Résultats www.db-artmag.de  

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If Henri Cartier Bresson defined photography as capturing the "decisive moment"-the instant when the photograph coalesced into visual action in front of the camera-then it was Lorna Simpson who allowed photography to unravel, at least a bit.

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Es war Henri Cartier-Bresson, der die Fotografie durch das Erfassen des "entscheidenden Moments" definierte - der Augenblick, in dem der Fotograf mit dem visuellen Geschehen vor ihm verschmilzt. Bei Lorna Simpson ist es andersherum: Sie erlaubt es der Fotografie, sich wieder zu zerfasern. Zumindest ein wenig. Die 1960 geborene afroamerikanische Künstlerin begann ihre fotografische Laufbahn in den 1980er Jahren. Anfangs widmete sie sich der Straßenfotografie, doch schon bald wandte sie sich der Arbeit mit zerschnittenen und seriellen Bildern oder gefundenem Material wie Pin-ups oder Magazinbildern zu. Häufig basieren ihre Fotoarbeiten auf Studioporträts von schwarzen Frauen, die in alltäglichen, "typisch weiblichen" Posen festgehalten werden. Diese Bilder wirken auf den ersten Blick eindeutig, doch durch die Ausschnitte und die Kombination mit Textfragmenten, die Simpson in ihre Werke integriert, wird eben diese Eindeutigkeit radikal unterminiert: Simpson legt den latenten Rassismus und Sexismus frei, der die amerikanische Kultur noch immer prägt. Mit dieser Praxis befindet sie sich in Gesellschaft von politisch engagierten afroamerikanischen Künstlern wie Carrie Mae Weems, Isaac Julien und Glenn Ligon, die in den 1980ern begannen, Vorstellungen von Rasse und Geschlecht zu hinterfragen. Dabei hat Simpson die unterschiedlichsten Medien eingesetzt und neben der Fotografie und Installation vor allem mit Film und Video gearbeitet.

  3 Résultats www.db-artmag.com  

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If Henri Cartier Bresson defined photography as capturing the "decisive moment"-the instant when the photograph coalesced into visual action in front of the camera-then it was Lorna Simpson who allowed photography to unravel, at least a bit.

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Es war Henri Cartier-Bresson, der die Fotografie durch das Erfassen des "entscheidenden Moments" definierte - der Augenblick, in dem der Fotograf mit dem visuellen Geschehen vor ihm verschmilzt. Bei Lorna Simpson ist es andersherum: Sie erlaubt es der Fotografie, sich wieder zu zerfasern. Zumindest ein wenig. Die 1960 geborene afroamerikanische Künstlerin begann ihre fotografische Laufbahn in den 1980er Jahren. Anfangs widmete sie sich der Straßenfotografie, doch schon bald wandte sie sich der Arbeit mit zerschnittenen und seriellen Bildern oder gefundenem Material wie Pin-ups oder Magazinbildern zu. Häufig basieren ihre Fotoarbeiten auf Studioporträts von schwarzen Frauen, die in alltäglichen, "typisch weiblichen" Posen festgehalten werden. Diese Bilder wirken auf den ersten Blick eindeutig, doch durch die Ausschnitte und die Kombination mit Textfragmenten, die Simpson in ihre Werke integriert, wird eben diese Eindeutigkeit radikal unterminiert: Simpson legt den latenten Rassismus und Sexismus frei, der die amerikanische Kultur noch immer prägt. Mit dieser Praxis befindet sie sich in Gesellschaft von politisch engagierten afroamerikanischen Künstlern wie Carrie Mae Weems, Isaac Julien und Glenn Ligon, die in den 1980ern begannen, Vorstellungen von Rasse und Geschlecht zu hinterfragen. Dabei hat Simpson die unterschiedlichsten Medien eingesetzt und neben der Fotografie und Installation vor allem mit Film und Video gearbeitet.

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In particular, Porter sought to familiarize European audiences with American art photography, publishing works by Duane Michals, Larry Clark, Lewis Balz, Ralph Gibson, and William Klein, among others. Each issue of Camera addressed a particular theme. The spectrum ranged from historical retrospectives (see the issues on Sun Artist, Heinrich Kühn, and Edward Curtis) across lavishly designed monographs (on Lisette Model, Henri Cartier-Bresson, William Klein, and others) to experiments with abstraction.

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Ein besonderes Anliegen war Porter, die amerikanische Kunstfotografie in Europa bekannt zu machen. So publizierte er Arbeiten von Duane Michals, Larry Clark, Lewis Balz, Ralph Gibson oder William Klein. Jede Ausgabe von CAMERA erschien zu einem eigenen Thema. Das Spektrum reichte dabei von historischen Rückblenden (z.B. Sun Artist, Heinrich Kühn, Edward Curtis) über aufwendig gestaltete Monografien (z.B. Lisette Model, Henri Cartier-Bresson, William Klein) zu abstrakten Experimenten.

  www.asialiteraryreview.com  

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"Sibylle Bergemann was a master of composition and the conscious use of color, who mastered various styles of photography, whether documentary or portrait, fashion, essay or landscape. Through her educational work she has influenced a whole generation of young photographers. At her home in Berlin-Mitte, GDR colleagues and internationally renowned photographers such as Henri Cartier-Bresson, Helmut Newton and Robert Frank came together. After the reunification she co-founded OSTKREUZ - photographer's agency and was a member of the Academy of Arts in Berlin."

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"Sibylle Bergemann war eine Meisterin der Komposition und des bewussten Einsatzes von Farbe, die verschiedene Spielarten der Fotografie gleichermaßen beherrschte, ob Reportage oder Porträt, Mode, Essay oder Landschaft. Durch ihre didaktische Arbeit hat sie eine ganze Generation junger Fotografen mitgeprägt. In ihrer Wohnung am Schiffbauerdamm kamen DDR Kollegen und international bekannte Fotografen wie Henri Cartier-Bresson, Helmut Newton oder Robert Frank zusammen. Nach der Wende hat sie die Agentur OSTKREUZ mitbegründet und war Mitglied der Akademie der Künste."

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I'll never get any better-this was the sobering realization that came over Jeff Chien-Hsing Liao during his internship at the Magnum photo agency. It was here that he was able to study classic works of documentary photography by Henri Cartier-Bresson and Bruce Davidson and discovered that the quality of these works could never be surpassed. But Liao refused to let himself be discouraged; on the contrary. Over the next several years, he developed a highly unique aesthetic and working method-a high-tech version of classic street and city photography.

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Besser werde ich nie - diese ernüchternde Erkenntnis überkommt Jeff Chien-Hsing Liao während seines Praktikums bei der Fotoagentur Magnum. Hier kann er die Aufnahmen von Klassikern der Dokumentarfotografie wie Henri Cartier-Bresson oder Bruce Davidson genau studieren und sieht, dass ihre Bilder eine kaum zu übertreffende Qualität besitzen. Doch Liao lässt sich nicht entmutigen. Im Gegenteil. Er wird in den nächsten Jahren seine ganz eigene Ästhetik und Arbeitsweise entwickeln - eine High-Tech-Version klassischer Straßen- und Stadtansichten.

  6 Résultats www.taschen.com  

Montrer texteMontrer source en cacheMontrer URL avec texte source	"This large tome details the whole of London in photographic form, from the Victorian era to the Royal Wedding. Collated by Reuel Golden, former editor of the British Journal of Photography, it features work from David Bailey, Cecil Beaton and Henri Cartier-Bresson."— Shortlist Magazine, London, United Kingdom
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Montrer texteMontrer source en cacheMontrer URL avec texte source	Hundreds of pictures by the renowned French photographer Henri Cartier-Bresson have gone on display at the Museum of Modern Art in New York. 19/05/2010
Comparer pages textesComparer pages HTMMontrer URL avec texte sourceMontrer URL avec langue cibleDéfinir euronews.com comme domaine prioritaire	Fotos, Abzüge alter Negative, könnten Rick Norsigian, Anstreicher aus dem kalifornischen Fresno, zu einem reichen Mann machen. Die Negative selbst erstand er… 28/07/2010