werd – -Translation – Keybot Dictionary

Spacer TTN Translation Network TTN TTN Login Deutsch Français Spacer Help
Source Languages Target Languages
Keybot 22 Results  www.websaver.ca
  Pablo Picasso Prints, P...  
Mijn moeder zei tegen mij: ‘Als je een soldaat, zal u een algemeen geworden. Als je een monnik, zal je de paus te worden. ‘ In plaats daarvan, was ik een schilder, en werd Picasso.
Ma mère m’a dit: «Si vous êtes un soldat, vous deviendrez un général. Si vous êtes un moine, vous deviendrez le pape. Au lieu de cela, je suis un peintre, et suis devenu Picasso.
Meine Mutter sagte zu mir: “Wenn Sie ein Soldat sind, werden Sie eine allgemeine geworden. Wenn Sie ein Mönch sind, werden Sie der Papst zu werden. ‘ Stattdessen war ich ein Maler und wurde Picasso.
Mi madre me dijo: “Si usted es un soldado, que se convertirá en un general. Si usted es un monje, que se convertirá en el Papa. ” En su lugar, yo era un pintor, y me convertí en Picasso.
Mia madre mi ha detto: ‘Se sei un soldato, diventerai un generale. Se sei un monaco, diventerai il papa ‘. Invece, ero un pittore e sono diventato Picasso.
Minha mãe me disse: ‘Se você é um soldado, você vai se tornar um general. Se você é um monge, você vai se tornar o papa. ” Em vez disso, eu era um pintor, e tornou-se Picasso.
Min mor sagde til mig, ‘Hvis du er en soldat, vil du blive en generel. Hvis du er en munk, vil du blive paven. ” I stedet var jeg maler, og blev Picasso.
Móðir mín sagði við mig:, Ef þú ert hermaður, munt þú verða almennt. Ef þú ert munkur, munt þú verða páfinn. ” Þess í stað var ég málari, og varð Picasso.
Ibu saya berkata kepada saya, ‘Jika Anda seorang tentara, Anda akan menjadi seorang jenderal. Jika Anda seorang bhikkhu, Anda akan menjadi Paus. ” Sebaliknya, saya pelukis, dan menjadi Picasso.
Moja mama powiedziała do mnie: “Jeśli jesteś żołnierzem, staniesz ogóle. Jeśli jesteś mnichem, staniesz się papież. ” Zamiast tego, byłem malarzem, i stał Picasso.
Min mamma sa till mig: “Om du är en soldat, kommer du att bli en allmän. Om du är en munk, kommer du att bli påven. ” I stället var jag en målare, och blev Picasso.
แม่ของฉันบอกกับผมว่า “ถ้าคุณกำลังทหารคุณจะกลายเป็นทั่วไป ถ้าคุณเป็นพระภิกษุสงฆ์คุณจะกลายเป็นสมเด็จพระสันตะปาปา. แต่ฉันเป็นจิตรกรและกลายเป็นปิกัสโซ
Annem bir asker iseniz, genel olacak ‘dedi bana. Eğer bir keşiş iseniz, Papa olacak. ‘ Bunun yerine, bir ressam oldu ve Picasso oldu.
  Marc Chagall Schilderij...  
Chagall werd geboren in de voormalige Russische Rijk in een stad, genaamd Vitebsk, in wat nu Wit-Rusland.
Chagall est né dans l’ancien Empire russe dans une ville appelée Vitebsk, dans ce qui est aujourd’hui la Biélorussie.
Chagall wurde in der ehemaligen russischen Reiches in einer Stadt namens Witebsk geboren, im heutigen Weißrussland.
Chagall nació en el antiguo imperio ruso en una ciudad llamada Vitebsk, en lo que hoy es Bielorrusia.
Chagall nacque nell’ex impero russo in una città chiamata Vitebsk, in quella che oggi è la Bielorussia.
Chagall nasceu no antigo Império Russo em uma cidade chamada Vitebsk, no que é hoje a Bielorrússia.
Chagall se narodil v bývalé Ruské říše v městě zvaném Vitebsk, v čem je nyní Bělorusko.
Chagall blev født i det tidligere russiske imperium i en by kaldet Vitebsk, i hvad der nu Hviderusland.
Chagall syntyi Venäjän entisen keisarikunnan vuonna kaupunki nimeltä Vitebsk, mitä nyt Valko-Venäjällä.
अब बेलारूस क्या है में चगल, विटेब्स्क नामक शहर में पूर्व रूसी साम्राज्य में पैदा हुआ था।
Chagall fæddist í fyrrum rússneska heimsveldinu í borg, sem heitir Vitebsk, þar sem nú er Hvíta-Rússland.
Chagall lahir di bekas Kekaisaran Rusia di sebuah kota yang bernama Vitebsk, di tempat yang sekarang Belarus.
Chagall ble født i det tidligere russiske imperiet i en by som heter Vitebsk, i det som nå er Hviterussland.
Chagall urodził się w byłym imperium rosyjskiego w mieście o nazwie Witebsk, w jakiej jest teraz Białoruś.
Chagall sa născut în fostul Imperiu rus într-un oraș numit Vitebsk, în ceea ce este acum Belarus.
Chagall föddes i det forna ryska imperiet i en stad som heter Vitebsk, i vad som nu är Vitryssland.
Şimdi Belarus nedir yılında Chagall, Vitebsk denilen bir şehirde eski Rus İmparatorluğu doğdu.
Chagall được sinh ra trong các cựu đế quốc Nga trong một thành phố được gọi là Vitebsk, mà bây giờ là Belarus.
Chagall dilahirkan di bekas Empayar Rusia di bandar yang dipanggil Vitebsk, yang sekarang Belarus.
  Vincent van Gogh Schild...  
De vroege jaren van Vincent werd ontroerd als hij worstelde om op lange termijn vasthouden aan een carrière plan. Mislukking was ook gebruikelijk voor hem in de verschillende beroepen dat hij geprobeerd, met weinig mensen bereid om zijn soms vluchtige karakter te accepteren.
Les premières années pour Vincent fut troublé comme il a lutté pour rester à long terme pour un plan de carrière. Échec était également fréquent pour lui dans les différentes professions qu’il a essayé, avec peu de gens sont prêts à accepter son caractère parfois volatile.
Die frühen Jahre für Vincent war beunruhigt, als er versuchte, um langfristig zu einer Karriere Plan. Versagen war auch in den verschiedenen Berufen, die er versuchte, mit wenigen Menschen bereit sind, seine manchmal flüchtigen Charakter annehmen gemeinsame für ihn.
Los primeros años de Vicente se preocuparon mientras luchaba para pegarse a largo plazo para un plan de carrera. El fracaso también era común para él en las diferentes ocupaciones que trató, con pocas personas dispuestas a aceptar su carácter a veces volátil.
I primi anni di Vincent è stato turbato mentre cercava di restare a lungo termine per un piano di carriera. Fallimento era comune anche per lui nelle diverse occupazioni che ha cercato, con poche persone disposte ad accettare il suo carattere a volte instabile.
  Pablo Picasso Prints, P...  
Van 1901-1904 Picasso’s werk werd gedomineerd door het gebruik van de blauwe en groene tinten van kleur. De oude gitarist is het beroemdste schilderij uit deze periode. Er is een low-key gevoel aan veel van de kunstwerken geboren uit deze kleur samenstelling en de kunstenaar moeite om ze commercieel te verkopen op dat moment.
De 1901 à 1904 l’œuvre de Picasso a été dominée par l’utilisation de tons bleus et verts de couleur. Le vieux guitariste est le tableau le plus célèbre de cette période. Il ya une sensation de faible clé de la plupart des œuvres nées de cette composition de couleur et l’artiste a lutté pour les vendre dans le commerce à cette époque.
Von 1901 bis 1904 Picassos Arbeit wurde durch die Verwendung von blauen und grünen Farbtönen dominiert. Der alte Gitarrenspieler ist das berühmteste Gemälde aus dieser Zeit. Es ist ein Low-Key-Gefühl, viele der Kunstwerke aus dieser Farbkomposition geboren und der Künstler gekämpft, um sie kommerziell zu diesem Zeitpunkt zu verkaufen.
De 1901 a 1904 la obra de Picasso fue dominado por el uso de tonos azules y verdes de color. Viejo con guitarra es la pintura más famosa de este período. Hay un ambiente de bajo perfil a muchas de las obras de arte nacidas de esta composición de color y el artista luchó para venderlos en el mercado en ese momento.
Dal 1901-1904 il lavoro di Picasso è stata dominata con l’uso di tonalità blu e verdi di colore. The Old Guitarist è il dipinto più famoso di questo periodo. Vi è una low-key atmosfera a molte delle opere nate da questa composizione dei colori e l’artista ha lottato per venderli sul mercato in quel momento.
De 1901 a 1904 trabalhos de Picasso foi dominada pelo uso de tons azuis e verdes de cor. The Old Guitarist é a pintura mais famosa deste período. Há uma sensação low-chave para muitas das obras de arte nascidas fora desta composição cor eo artista lutou para vendê-los no mercado naquele momento.
Fra 1901 til 1904 Picassos arbejde blev domineret af brugen af ​​blå og grønne farvenuancer. Den gamle Guitarist er den mest berømte maleri fra denne periode. Der er en lav-key føler, at mange af de kunstværker, der er født ud af denne farvesammensætning og kunstneren kæmpet for at sælge dem kommercielt på det tidspunkt.
Frá 1901-1904 vinna Picasso var ríkjandi notkun bláum og grænum tónum af lit. The Old Gítarleikari er frægasta málverk frá þessum tíma. Það er lágmark-lykill feel til margir af listaverkum fædd út af þessum lit samsetningu og listamaður átti erfitt með að selja þær á markaði á þeim tíma.
Dari 1901-1904 karya Picasso didominasi oleh penggunaan warna biru dan hijau warna. The Old Gitaris adalah lukisan paling terkenal dari periode ini. Ada rendah merasa untuk banyak karya seni yang lahir dari komposisi warna dan artis berjuang untuk menjualnya secara komersial pada waktu itu.
Od 1901/04 prace Picassa został zdominowany przez użycie niebieskich i zielonych odcieniach. Stary gitarzysta jest najbardziej znany obraz z tego okresu. Jest stonowane czuć się wiele dzieł sztuki powstałym w tej kompozycji kolorów i artystka starała się sprzedać je na rynku w tym czasie.
Från 1901 till 1904 Picassos verk dominerades av användningen av blå och gröna färgnyanser. Gamla Gitarristen är den mest kända målning från denna period. Det är en lågmäld känsla många av de konstverk som fötts ur denna färgkomposition och konstnären kämpat för att sälja dem kommersiellt på den tiden.
จาก 1901-1904 การทำงานของปิกัสโซถูกครอบงำโดยการใช้โทนสีฟ้าและสีเขียวที่มีสี กีตาร์เก่าเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดจากช่วงเวลานี้ มีความรู้สึกที่ต่ำที่สำคัญหลายงานศิลปะที่เกิดจากองค์ประกอบของสีนี้และศิลปินเป็นความพยายามที่จะขายพวกเขาในเชิงพาณิชย์ในช่วงเวลานั้น
1901 itibaren 1904 için Picasso’nun çalışmaları renginin mavi ve yeşil tonları kullanılarak ulaştı. Yaşlı Gitarist bu dönemde en ünlü tablo. Orada bu renk kompozisyonu doğan eserlerin birçoğu için düşük anahtar hissediyorum ve sanatçı o zaman ticari satmak için mücadele etti.
  Vincent van Gogh Schild...  
Uiteindelijk is de beste behandeling voor Vincent van Gogh was schilderij en dit is hoe hij werd zo productief in zijn latere jaren – wanhopig proberen af ​​te weren zijn mentale problemen. Op sommige momenten was de kunstenaar schilderij met een ongelooflijke snelheid van twee schilderijen per dag.
En fin de compte, le meilleur traitement pour Vincent van Gogh était la peinture et voilà comment il est devenu si productive dans ses dernières années – en essayant désespérément de repousser ses problèmes mentaux. Parfois, l’artiste peignait à une vitesse incroyable de deux tableaux par jour. Il serait même la peinture sur les ouvrages existants qu’il désapprouvait lors de l’exécution de toiles vierges disponibles.
Letztlich ist die beste Behandlung für Vincent van Gogh war Malerei und das ist, wie wurde er so produktiv in seinen späteren Jahren – verzweifelt versucht, abzuwehren seine psychische Probleme. Zeitweise wurde der Künstler mit einer unglaublichen Geschwindigkeit von zwei Gemälde Tag malen. Er würde sogar übermalen vorhandenen Werke, die er aus, wenn aus verfügbar leere Leinwände laufen abgelehnt.
En última instancia, el mejor tratamiento para Vincent van Gogh era la pintura y esta es la forma en que llegó a ser tan productiva en sus últimos años – tratando desesperadamente de defenderse de sus problemas mentales. A veces el artista pintaba a una increíble velocidad de dos pinturas al día. Él incluso pintar sobre las obras existentes que desaprobaba cuando se ejecuta fuera de lienzos en blanco disponibles.
In definitiva, il miglior trattamento per Vincent van Gogh dipingeva e questo è come è diventato così produttivo nei suoi ultimi anni – che cerca disperatamente di parare fuori i suoi problemi mentali. A volte l’artista stava dipingendo ad una velocità incredibile di due quadri al giorno. Avrebbe anche dipingere su opere già esistenti che disapprovava di quando a corto di disponibili tele bianche.
  Pablo Picasso Prints, P...  
Sculptuur is een kunst medium waarin Picasso uitblonk, maar blijft veel minder bekend om dan de wil van schilderen en tekenen. Pablo werd nooit helemaal opgeleid in dit medium, dat zijn werk het voordeel dat het geheel persoonlijke en nog meer experimentele dan zijn gedurfde schilderij stijlen gaf hier.
Sculpture est un moyen d’expression artistique dans lequel Picasso a excellé, mais reste beaucoup moins célèbre pour que les goûts de la peinture et le dessin. Pablo n’a jamais été entièrement formés dans ce milieu, qui a donné son travail ici l’avantage d’être tout à fait personnelle et même plus expérimental que ses styles de peinture audacieuses.
Skulptur ist eine Kunst, Medium, in dem Picasso zeichnete, bleibt aber weit weniger bekannt als die Gleichen von Malerei und Zeichnung. Pablo war nie ganz in diesem Medium, das seine Arbeit des Seins ganz persönliche und sogar Erfahrungen als seine kühnen Malstil hat hier den Vorteil, ausgebildet.
La escultura es un medio artístico en el que Picasso se destacó, pero sigue siendo mucho menos famosa por que los gustos de la pintura y el dibujo. Pablo nunca fue totalmente entrenado en este medio, que dio a su trabajo aquí la ventaja de ser totalmente personal y aún más experimental que sus estilos audaces pintura.
La scultura è un mezzo d’arte, in cui Picasso eccelleva, ma resta molto meno famoso per di artisti del calibro di pittura e disegno. Pablo non è mai stato del tutto addestrato in questo mezzo, che ha dato il suo lavoro qui il vantaggio di essere del tutto personale e ancora più sperimentale dei suoi stili di pittura grassetto.
Escultura é uma forma de arte em que Picasso se destacou, mas continua a ser muito menos famoso do que para os gostos de pintura e desenho. Pablo nunca foi totalmente treinado neste meio, que deu o seu trabalho aqui a vantagem de ser inteiramente pessoal e ainda mais experimental do que seus estilos de pintura em negrito.
Skulpturen er en kunst medium, hvori Picasso udmærkede, men er stadig langt mindre berømt for end den holder af maleri og tegning. Pablo blev aldrig helt uddannet i dette medium, som gav hans arbejde her den fordel, at helt personlig og endnu mere eksperimenterende end hans dristige maleri stilarter.
Skúlptúr er list miðill sem Picasso framúr, en enn mun minna frægur fyrir en eins og af málverki og teikningu. Pablo var aldrei alveg þjálfaðir í þennan miðil, sem gaf vinnu sína hér kostur á að vera alveg persónulega og jafnvel meira tilrauna en feitletrun málverk hans stíll.
Patung adalah media seni yang Picasso unggul, tetapi tetap jauh lebih terkenal dari orang-orang seperti melukis dan menggambar. Pablo tidak pernah sepenuhnya terlatih dalam media ini, yang memberikan karyanya disini keuntungan menjadi sepenuhnya pribadi dan bahkan lebih eksperimental dari gaya lukisan yang berani.
Rzeźba jest sztuką, w której średnio Picasso celował, ale pozostaje znacznie mniej znana niż gustuje malarstwa i rysunku. Pablo nigdy nie był w pełni przeszkoleni w tym medium, który dał swoje prace tutaj zaletę, że jest całkowicie osobiste, a nawet bardziej niż jego śmiałych eksperymentalne stylów malarskich.
Skulptur är en konst medium i vilket Picasso utmärkte, men är fortfarande betydligt mindre känd för än lik av måleri och teckning. Pablo var aldrig helt utbildad i detta medium, som gav hans arbete här fördelen av att vara helt personliga och ännu mer experimentell än hans djärva målning stilar.
ประติมากรรมเป็นสื่อศิลปะที่ปิกัสโซเก่ง แต่ยังคงห่างไกลที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าเช่นเดียวกับการวาดภาพและการวาดภาพ ปาโบลก็ไม่เคยได้รับการฝึกอบรมทั้งหมดในสื่อนี้ซึ่งทำให้การทำงานของเขาที่นี่เปรียบของการเป็นส่วนบุคคลอย่างสิ้นเชิงและแม้กระทั่งการทดลองมากกว่ารูปแบบการวาดภาพของเขาที่เป็นตัวหนา
Heykel Picasso sivrildi hangi bir sanat ortamı, ama çok daha az ünlü için boyama ve çizim seviyor daha kalır. Pablo tamamen tamamen kişisel ve daha deneysel onun cesur boyama stilleri daha olmanın avantajını burada eserini verdi bu ortamda, eğitimli değildi.
  Marc Chagall Schilderij...  
Kunsthistoricus en curator James Sweeney merkt op dat toen Chagall eerst aankwam in Parijs, het kubisme was de dominante vorm van kunst en Franse kunst werd nog steeds gedomineerd door de ‘materialistische visie van de 19e eeuw.
Chagall a déménagé à Paris en 1910 et a commencé à développer son propre style artistique. L’historien d’art et conservateur James Sweeney note que lorsque Chagall est arrivé à Paris, le cubisme était la forme dominante de l’art et de l’art français était encore dominé par la «perspective matérialiste du 19e siècle.”
Chagall nach Paris im Jahre 1910 und fing an, seinen eigenen künstlerischen Stil zu entwickeln. Kunsthistoriker und Kurator James Sweeney stellt fest, dass bei der ersten Chagall in Paris ankam, Kubismus war die dominierende Kunstform und Französisch Kunst war noch von dem beherrschten “materialistischen Aussichten des 19. Jahrhunderts.”
Chagall se trasladó a París en 1910 y comenzó a desarrollar su propio estilo artístico. El historiador de arte y comisario James Sweeney señala que cuando Chagall llegó por primera vez en París, el cubismo fue la forma de arte dominante y el arte francés todavía estaba dominada por la “perspectiva materialista del siglo 19”.
Chagall si trasferì a Parigi nel 1910 e ha iniziato a sviluppare il suo stile artistico. Storico dell’arte e curatore James Sweeney osserva che quando Chagall arrivato a Parigi, cubismo era la forma d’arte dominante e dell’arte francese è stato ancora dominato dalla “visione materialistica del 19 ° secolo.”
Chagall se mudou para Paris em 1910 e começou a desenvolver seu próprio estilo artístico. O historiador de arte e curador James Sweeney observa que, quando Chagall chegou pela primeira vez em Paris, o cubismo era a forma de arte dominante e da arte francesa ainda foi dominado pela “perspectiva materialista do século 19”.
Chagall se přestěhoval do Paříže v roce 1910 a začal vyvíjet svůj vlastní umělecký styl. Historička umění a kurátorka James Sweeney poznamenává, že když Chagall poprvé přijel do Paříže, kubismus byl dominantní umělecká forma a Francouzské umění stále dominuje “materialistické výhledu 19. století.”
Chagall flyttede til Paris i 1910 og begyndte at udvikle sin egen kunstneriske stil. Kunsthistoriker og kurator James Sweeney bemærker, at da Chagall først ankom i Paris, kubisme var den dominerende kunstform og fransk kunst var stadig domineret af de “materialistisk livssyn af det 19. århundrede.”
Chagall muutti Pariisiin vuonna 1910 ja alkoi kehittää omaa taiteellista tyyliä. Taidehistorioitsija ja kuraattori James Sweeney toteaa, että kun Chagall ensimmäinen saapui Pariisiin, kubismi oli hallitseva taidemuotona ja Ranskan taidetta vielä hallitsivat “materialistinen näkymät 19th century.”
चगल 1910 में पेरिस के लिए चले गए और अपने ही कलात्मक शैली विकसित करने के लिए शुरू किया। कला इतिहासकार और क्यूरेटर जेम्स स्वीनी चगल पहले पेरिस में पहुंचे, क्यूबिज्म प्रमुख कला का रूप था और फ्रांसीसी कला अभी भी प्रभुत्व था नोटों कि “19 वीं सदी के भौतिकवादी दृष्टिकोण।”
Chagall flutti til Parísar árið 1910 og byrjaði að þróa eigin listræna stíl hans. Listfræðingur og sýningarstjóri James Sweeney bendir þegar Chagall fyrst kom í París, Cubism var ríkjandi listformið og franska list var enn einkennist af “efnishyggju horfur á 19. öld.”
Chagall pindah ke Paris pada tahun 1910 dan mulai mengembangkan gaya artistik sendiri. Sejarawan seni dan kurator James Sweeney mencatat bahwa ketika Chagall pertama kali tiba di Paris, Kubisme adalah bentuk seni yang dominan dan seni Perancis masih didominasi oleh “prospek materialistik abad ke-19.”
Chagall flyttet til Paris i 1910 og begynte å utvikle sin egen kunstneriske stil. Kunsthistoriker og kurator James Sweeney bemerker at når Chagall først kom i Paris, kubisme var den dominerende kunstformen og fransk kunst var fortsatt dominert av “materialistisk syn av det 19. århundre.”
Chagall przeniósł się do Paryża w 1910 roku i zaczął rozwijać swój własny styl artystyczny. Historyk sztuki i kurator James Sweeney zauważa, że ​​gdy Chagall pierwszy przybył do Paryża, Kubizm był dominującą formą sztuki, a sztuka francuska wciąż zdominowane przez “materialistycznej perspektywy 19 wieku.”
Chagall sa mutat la Paris în 1910 și a început să se dezvolte propriul stil artistic. Istoric de arta si curator James Sweeney constată că, atunci când Chagall ajuns pentru prima dată în Paris, cubism era forma de arta dominantă și artă francez a fost încă dominată de “perspectiva materialistă a secolului al 19-lea.”
Chagall flyttade till Paris 1910 och började utveckla sin egen konstnärliga stil. Konsthistoriker och curator James Sweeney konstaterar att när Chagall först kom i Paris, kubismen var den dominerande konstform och fransk konst fortfarande domineras av “materialistiska utsikterna för den 19: e århundradet.”
Chagall 1910 yılında Paris’e taşındı ve kendi sanatsal tarzını geliştirmeye başladı. Sanat tarihçisi ve küratör James Sweeney Chagall ilk kez Paris’e geldiğinde, Kübizm baskın sanat formu olduğunu ve Fransız sanat hala hakim olduğunu belirtiyor “19. yüzyılın materyalist bakış açısı.”
Chagall chuyển đến Paris vào năm 1910 và bắt đầu phát triển theo phong cách nghệ thuật của riêng mình. Nhà sử học nghệ thuật và người phụ trách James Sweeney lưu ý rằng khi Chagall đầu tiên đến Paris, Lập thể là hình thức nghệ thuật chủ đạo và nghệ thuật Pháp vẫn bị chi phối bởi những “triển vọng vật chất của thế kỷ 19”.
Chagall berpindah ke Paris pada tahun 1910 dan mula untuk membangunkan gaya sendiri seni. Sejarah seni dan kurator James Sweeney mencatatkan bahawa apabila Chagall pertama tiba di Paris, Cubism adalah bentuk seni yang dominan dan seni Perancis masih dikuasai oleh “pandangan materialistik abad ke-19.”
  Beroemde Kunstenaars, S...  
Het Bauhaus in Weimar, Duitsland werd in 1919 opgericht door Walter Gropius. De filosofie achter de lesprogramma was de eenheid van alle visuele en beeldende kunst van architectuur en schilderkunst te weven en glas in lood.
Le Bauhaus à Weimar, l’Allemagne a été fondée en 1919 par Walter Gropius. La philosophie qui sous-tend le programme d’enseignement était l’unité de tous les arts plastiques et visuels de l’architecture et la peinture à tissage et vitrail.
Das Bauhaus in Weimar, Deutschland wurde im Jahr 1919 von Walter Gropius gegründet. Die Philosophie, die Lehre Programm zugrunde liegende war Einheit aller visuellen und bildenden Kunst von Architektur und Malerei, um das Weben und Glasmalerei.
La Bauhaus en Weimar, Alemania fue fundada en 1919 por Walter Gropius. La filosofía subyacente en el programa de enseñanza era la unidad de todas las artes plásticas y visuales de la arquitectura y la pintura a tejer y vidrieras.
Il Bauhaus a Weimar, in Germania è stata fondata nel 1919 da Walter Gropius. La filosofia alla base del programma di insegnamento è l’unità di tutte le arti visive e plastiche di architettura e la pittura per la tessitura e vetrate.
باوهاوس في فايمار، تأسست في ألمانيا عام 1919 من قبل والتر غروبيوس. كانت الفلسفة التي يقوم عليها برنامج التعليم حدة جميع الفنون البصرية والبلاستيك من الهندسة المعمارية والرسم على النسيج والزجاج الملون.
Το Bauhaus της Βαϊμάρης, Γερμανία ιδρύθηκε το 1919 από τον Walter Gropius. Η φιλοσοφία στην οποία βασίζεται το πρόγραμμα διδασκαλίας ήταν η ενότητα όλων των εικαστικές τέχνες από την αρχιτεκτονική και τη ζωγραφική με την υφαντική και βιτρό.
ワイマール、ドイツにおけるバウハウスは、ヴァルター·グロピウスによって1919年に設立されました。指導プログラムの基礎となる考え方は、織りやステンドグラスのアーキテクチャと絵からすべてのビジュアルやプラスチック製の芸術の団結しました。
Bauhaus v Weimar, Německo byl založen v roce 1919 Walter Gropius. Filozofie, z něhož tento výukový program byl jednota všech vizuálních a výtvarného umění od architektury a malování na tkaní a vitráží.
Bauhaus ved Weimar, Tyskland blev grundlagt i 1919 af Walter Gropius. Filosofien bag undervisningen var enhed af alle de visuelle og plastisk kunst fra arkitektur og maleri til vævning og farvet glas.
Bauhaus on Weimar, Saksa perustettiin vuonna 1919 Walter Gropius. Filosofiaa opetuksen ohjelma oli yhtenäisyyttä kaikkien visuaalisten ja kuvataiteet arkkitehtuurin ja maalauksesta kudonta ja lasimaalauksia.
वीमर में बॉहॉस, जर्मनी वाल्टर ग्रोपियस द्वारा 1919 में स्थापित किया गया था। शिक्षण कार्यक्रम अंतर्निहित दर्शन बुनाई और कांच के लिए वास्तुकला और पेंटिंग से सभी दृश्य कला और प्लास्टिक की एकता था।
The Bauhaus á Weimar, var Þýskaland stofnað árið 1919 af Walter Gropius. Hugmyndafræði að baki kennslu program var einingu allra sjón og plast listir frá arkitektúr og málverk á vefnaði og lituð gler.
Bauhaus di Weimar, Jerman didirikan pada tahun 1919 oleh Walter Gropius. Filosofi yang mendasari program pengajaran adalah kesatuan dari semua seni visual dan plastik dari arsitektur dan lukisan untuk tenun dan kaca patri.
바이마르의 바우 하우스는 독일 발터 그로피우스에 의해 1919 년에 설립되었습니다. 교육 프로그램을 기본 철학은 직물과 스테인드 글라스로 건축과 회화의 모든 시각 및 플라스틱 아트의 통일이었다.
Bauhaus på Weimar, Tyskland ble grunnlagt i 1919 av Walter Gropius. Filosofien bak undervisningsopplegget var enhet av alle de visuelle og bildende kunst fra arkitektur og maleri til veving og farget glass.
Bauhaus w Weimarze, Niemcy została założona w 1919 roku przez Waltera Gropiusa. Filozofia opiera się program nauczania był jedność wszystkich sztuk wizualnych i plastikowych od architektury i malarstwa do tkania i witraże.
Bauhaus la Weimar, Germania a fost fondata in 1919 de Walter Gropius. Filozofia care stă la baza programului de predare a fost unitate a tuturor artelor vizuale și plastice din arhitectură și pictură în țesut și vitralii.
Баухауз в Веймаре, Германия была основана в 1919 году Вальтер Гропиус. Философия, лежащая в основе учебной программы было единство всех визуальных и пластических искусств от архитектуры и живописи до ткачества и витражи.
Bauhaus i Weimar, var Tyskland grundades 1919 av Walter Gropius. Filosofin bakom undervisningen var enighet mellan alla de visuella och bildkonst från arkitektur och målning till vävning och målat glas.
Bauhaus ที่มาร์เยอรมนีได้ก่อตั้งขึ้นในปี 1919 โดยวอลเตอร์ Gropius ปรัชญาพื้นฐานโปรแกรมการเรียนการสอนเป็นความสามัคคีของทุกทัศนศิลป์และพลาสติกจากสถาปัตยกรรมและการวาดภาพการทอผ้าและกระจกสี
Weimar Bauhaus, Almanya Walter Gropius tarafından 1919 yılında kurulmuştur. öğretim programı altında yatan felsefe dokuma ve vitray mimarlık ve resim tüm görsel ve plastik sanatlar birliği oldu.
Các Bauhaus ở Weimar, Đức được thành lập vào năm 1919 bởi Walter Gropius. Triết lý cơ bản của chương trình giảng dạy đã được sự thống nhất của tất cả các nghệ thuật thị giác và nhựa từ kiến ​​trúc và hội họa để dệt và kính màu.
Bauhaus di Weimar, Jerman telah ditubuhkan pada tahun 1919 oleh Walter Gropius. Falsafah yang mendasari program pengajaran itu perpaduan semua seni visual dan plastik dari seni bina dan lukisan untuk menenun dan kaca berwarna.
ویمر میں باہاس، جرمنی والٹر Gropius طرف سے 1919 میں قائم کیا گیا تھا. تعلیم کا پروگرام بنیادی فلسفہ بنائی اور داغ گلاس پر فن تعمیر اور مصوری سے تمام بصری اور پلاسٹک فنون کے اتحاد تھا.
  Andy Warhol Prints, Pos...  
De kunstenaar werd nog bezig met de computer gegenereerde beelden net zoals dit techonology was steeds mogelijk. Tot aan zijn dood, werd hij blijft inovate en men kan alleen maar raden hoe hij zou hebben gebruik gemaakt van de moderne technologie die is ontwikkeld sinds.
El artista incluso se involucró con el ordenador las imágenes tal y como esta Techonology fue convirtiendo en posible generar. Hasta su muerte, él seguía innovan y uno sólo puede adivinar cómo habría utilizado la tecnología moderna que se ha desarrollado desde entonces.
O artista ainda se envolveu com imagens geradas por computador, assim como este Techonology estava se tornando possível. Até a sua morte, ele estava continuando a inovar e só se pode adivinhar como a forma como ele teria utilizado a tecnologia moderna que se desenvolveu desde então.
Ο καλλιτέχνης, ακόμη και ασχολήθηκε με τον υπολογιστή εικόνες που έχουν δημιουργηθεί ακριβώς όπως την τεχνολογία αυτή είχε γίνει δυνατό. Δικαίωμα μέχρι το θάνατό του, συνέχιζε να inovate και μπορεί κανείς να μαντέψει μόνο το πώς θα έπρεπε να έχει χρησιμοποιηθεί η σύγχρονη τεχνολογία που έχει αναπτυχθεί από τότε.
Umělec se dokonce stal zapletený s počítačem generované obrazy, stejně jako to techonology stal se možný. Až do své smrti, byl nadále inovate a jeden může jen hádat, jak jak by využil moderní technologii, která vyvinula od té doby.
Kunstneren selv blev involveret med computer genererede billeder, ligesom denne techonology var ved at blive muligt. Helt op til hans død, blev han fortsætter med at inovate og man kan kun gætte på, hvordan han ville have udnyttet den moderne teknologi, der har udviklet sig siden.
Taiteilija tuli jopa mukana tietokoneella kuvia niin kuin tämä techonology oli tulossa mahdollista. Asti kuolemaansa, hän oli edelleen inovate ja voi vain arvailla kuinka hän olisi hyödynnetty modernia tekniikkaa, joka on kehitetty vuodesta.
Listamaðurinn jafnvel varð í tengslum við tölvu mynda myndir eins og þessi Techonology var að verða mögulegt. Allt að dauða hans, var hann að halda áfram að inovate og einn getur aðeins giska á eins hvernig hann hefði nýtt sér nútíma tækni sem hefur þróast síðan.
Artis bahkan menjadi terlibat dengan gambar yang dihasilkan komputer seperti techonology ini menjadi mungkin. Sampai ke kematiannya, ia terus inovate dan satu hanya bisa menebak bagaimana ia akan memanfaatkan teknologi modern yang telah dikembangkan sejak.
Kunstneren selv ble involvert med datagenererte bilder like denne techonology var blitt mulig. Helt frem til sin død, ble han fortsetter å inovate og man kan bare gjette hvordan han ville ha utnyttet den moderne teknologi som har utviklet seg siden den gang.
Artysta zaangażował się nawet generowane obrazów jak to możliwe stawała Techonology komputera. Aż do jego śmierci, był nadal inovate i można się tylko domyślać, jak, jak miałby wykorzystać nowoczesną technologię, która rozwinęła się od.
Artistul chiar sa implicat cu imagini generate de computer la fel cum această tehnologie plus a devenit posibil. Până la moartea sa, el a fost continua sa inova și se poate doar ghici ca cum ar fi folosit tehnologia modernă care sa dezvoltat de atunci.
Konstnären blev även involverad med datorgenererade bilder på samma sätt som denna techonology blev möjligt. Ända fram till sin död var han fortsätter att inovate och man kan bara gissa hur han skulle ha utnyttjat modern teknik som har utvecklats sedan dess.
Bilgisayar bu teknolojiyi mümkün haline geldi gibi oluşturulan görüntüleri ile sanatçı bile dahil oldu. Sağ ölümüne kadar, o inovate devam ediyordu ve o zamandan beri geliştirdiği modern teknolojiyi kullanmış olması olarak nasıl biri sadece tahmin edebilirsiniz.
Các nghệ sĩ thậm chí đã trở thành tham gia với máy tính tạo ra hình ảnh giống như techonology này đã trở thành có thể. Ngay đến cái chết của ông, ông đã tiếp tục Inovate và ta chỉ có thể đoán như thế nào anh có thể đã sử dụng các công nghệ hiện đại đã phát triển từ.
Artis walaupun menjadi terlibat dengan komputer imej seperti techonology ini telah menjadi mungkin. Sehingga kepada kematiannya, beliau telah terus inovate dan kita hanya boleh meneka bagaimana dia akan menggunakan teknologi moden yang telah dibangunkan sejak.
  Marc Chagall Schilderij...  
De Parijse School, die werd aangeduid als ‘Parijse Surrealisme’ betekende weinig voor hen. Die houding zou beginnen te veranderen, echter, wanneer Pierre Matisse, de zoon van erkende Franse kunstenaar Henri Matisse, werd zijn vertegenwoordiger en hield Chagall tentoonstellingen in New York en Chicago in 1941.
L’Ecole de Paris, qui a été désigné comme ‘surréalisme parisien »signifiait peu pour eux. Ces attitudes seraient commencer à changer, cependant, quand Pierre Matisse, le fils de l’artiste français reconnu Henri Matisse, est devenu son représentant et a tenu des expositions Chagall à New York et à Chicago en 1941. L’une des premières expositions inclus 21 de ses chefs-d’œuvre de 1910 à 1941.
Die Pariser Schule, die als “Pariser Surrealismus” genannt wurde bedeutet wenig, um sie. Diese Haltung würde beginnen, sich jedoch ändern, wenn Pierre Matisse, der Sohn anerkannt Französisch Künstler Henri Matisse, wurde sein Vertreter und hielt Chagall Ausstellungen in New York und Chicago im Jahre 1941. Eines der frühesten Ausstellungen enthalten 21 seiner Meisterwerke von 1910 bis 1941.
La Escuela de París, que se conoce como ‘surrealismo parisino’ significaba poco para ellos. Esas actitudes comenzarían a cambiar, sin embargo, cuando Pierre Matisse, hijo del reconocido artista francés Henri Matisse, se convirtió en su representante y celebró exposiciones Chagall en Nueva York y Chicago en 1941. Una de las primeras exposiciones incluidas 21 de sus obras maestras de 1910 a 1941.
La Scuola di Parigi, che è stato denominato ‘surrealismo parigino’ significava poco per loro. Tali atteggiamenti avrebbero cominciato a cambiare, tuttavia, quando Pierre Matisse, il figlio dell’artista francese riconosciuto Henri Matisse, divenne il suo rappresentante e tenuto mostre Chagall a New York e Chicago nel 1941. Una delle prime mostre inclusi 21 dei suoi capolavori dal 1910 al 1941.
A Escola de Paris, que foi designado por «Surrealismo em Paris ‘pouco significava para eles. Essas atitudes iria começar a mudar, no entanto, quando Pierre Matisse, o filho do artista francês reconheceu Henri Matisse, tornou-se o seu representante e realizou exposições Chagall em Nova York e Chicago, em 1941. Uma das primeiras exposições incluídas 21 de suas obras-primas de 1910 a 1941.
Paris School, která byla označována jako “pařížský surrealismus” znamenalo jen málo pro ně. Tyto postoje by se začnou měnit, nicméně, když Pierre Matisse, syn uznán francouzského umělce Henriho Matisse, se stal jeho zástupcem a držel Chagall výstavy v New Yorku a Chicagu v roce 1941. Jedním z prvních výstav součástí 21 ze svých mistrovských děl od 1910 do 1941.
Paris School, som blev benævnt »parisiske surrealisme ‘betød lidt for dem. Disse holdninger vil begynde at ændre, men når Pierre Matisse, søn af anerkendte franske kunstner Henri Matisse, blev hans repræsentant og holdt Chagall udstillinger i New York og Chicago i 1941. En af de tidligste udstillinger omfattede 21 af hans mesterværker fra 1910 til 1941.
Paris School, jota kutsuttiin “pariisilainen Surrealismi” tarkoitti vähän niitä. Ne asenteet alkaisi kuitenkin muuttua, kun Pierre Matisse, poika tunnustettu ranskalainen taiteilija Henri Matisse, tuli hänen edustajansa ja piti Chagall näyttelyitä New Yorkissa ja Chicagossa vuonna 1941. Yksi varhaisimmista näyttelyitä mukana 21 hänen mestariteoksia 1910 1941.
‘पेरिस अतियथार्थवाद’ के रूप में भेजा गया था, जो पेरिस स्कूल, उनके लिए थोड़ा मतलब। उन लोगों के नजरिए पियरे मैटिस, मान्यता प्राप्त फ्रांसीसी कलाकार हेनरी मैटिस का बेटा है, उनके प्रतिनिधि बन गई है और जल्द से जल्द प्रदर्शनियों में से एक के लिए 1910 से उनकी कृतियों में से 21 शामिल 1941 में न्यूयॉर्क और शिकागो में चगल प्रदर्शनियों का आयोजन किया है, तथापि, परिवर्तित करने के लिए शुरू होगा 1941।
The Paris School, sem var kölluð “Parisian súrrealisma ‘þýddi lítið að þeim. Þeir viðhorf myndi byrja að breytast hins vegar þegar Pierre Matisse, sonur viðurkennt franska listamannsins Henri Matisse, varð fulltrúi hans og haldið Chagall sýningar í New York og Chicago í 1941. Eitt af elstu sýningum með 21 af meistaraverkum sínum frá 1910 til 1941.
Paris School, yang disebut sebagai ‘Surealisme Paris’ berarti bagi mereka. Mereka sikap akan mulai berubah, namun, ketika Pierre Matisse, anak diakui seniman Perancis Henri Matisse, menjadi wakilnya dan diadakan Chagall pameran di New York dan Chicago pada tahun 1941. Salah satu pameran paling awal termasuk 21 karya nya dari tahun 1910 ke 1941.
Den Paris School, som ble referert til som “parisisk surrealismen ‘betydde lite for dem. Disse holdningene vil begynne å forandre seg, men når Pierre Matisse, sønn av anerkjente franske kunstneren Henri Matisse, ble hans representant og holdt Chagall utstillinger i New York og Chicago i 1941. En av de tidligste utstillinger inkludert 21 av hans mesterverk fra 1910 til 1941.
Paris School, który dalej “paryskim surrealizmu” oznaczało trochę im. Postawy te zaczną się zmieniać, jednak, gdy Pierre Matisse, syn francuskiego artysty uznane Henri Matisse, stał się jego przedstawiciel i wystawy odbywają się w Nowym Jorku, Chagall i Chicago w 1941. Jednym z pierwszych wystaw zawiera 21 jego dzieł od 1910 do 1941.
Școala Paris, care a fost denumit “suprarealism parizian” menit puțin pentru ei. Aceste atitudini ar începe să se schimbe, însă, atunci când Pierre Matisse, fiul artistului francez recunoscut Henri Matisse, a devenit reprezentantul său și a avut loc expoziții Chagall în New York și Chicago în 1941. Unul dintre primele expoziții au inclus 21 dintre capodoperele sale din 1910 la 1941.
Parisskolan, som kallades “Paris Surrealism” innebar lite för dem. Dessa attityder skulle börja förändras dock när Pierre Matisse, son till erkända franska konstnären Henri Matisse, blev hans företrädare och höll Chagall utställningar i New York och Chicago i 1941. En av de tidigaste utställningarna ingår 21 av hans mästerverk från 1910 till 1941.
‘Parisli Sürrealizm’ olarak sevk edildi Paris Okulu, onlara biraz geliyordu. Bu tutum Pierre Matisse, tanınmış Fransız sanatçı Henri Matisse oğlu onun temsilcisi oldu ve ilk sergilerinden biri 1910 onun başyapıtlarından 21 dahil 1941 yılında New York ve Chicago’da Chagall sergi zaman, ancak, değiştirmek başlayacaktı 1941.
Các trường Paris, được gọi là “chủ nghĩa siêu thực Paris ‘có nghĩa là ít đối với họ. Những thái độ sẽ bắt đầu thay đổi, tuy nhiên, khi Pierre Matisse, con trai của nghệ sĩ người Pháp công nhận Henri Matisse, trở thành đại diện của mình và tổ chức triển lãm Chagall ở New York và Chicago vào năm 1941. Một trong những triển lãm đầu tiên bao gồm 21 kiệt tác của ông từ năm 1910 đến năm 1941.
Paris Sekolah, yang disebut sebagai ‘surealisme Paris’ bermakna sedikit kepada mereka. Mereka sikap akan mula berubah, bagaimanapun, apabila Pierre Matisse, anak diiktiraf artis Perancis Henri Matisse, menjadi wakilnya dan diadakan pameran Chagall di New York dan Chicago pada tahun 1941. Salah satu pameran yang paling awal termasuk 21 daripada karya-karya dari 1910 hingga 1941.
  Andy Warhol Prints, Pos...  
De kunstenaar werd nog bezig met de computer gegenereerde beelden net zoals dit techonology was steeds mogelijk. Tot aan zijn dood, werd hij blijft inovate en men kan alleen maar raden hoe hij zou hebben gebruik gemaakt van de moderne technologie die is ontwikkeld sinds.
El artista incluso se involucró con el ordenador las imágenes tal y como esta Techonology fue convirtiendo en posible generar. Hasta su muerte, él seguía innovan y uno sólo puede adivinar cómo habría utilizado la tecnología moderna que se ha desarrollado desde entonces.
O artista ainda se envolveu com imagens geradas por computador, assim como este Techonology estava se tornando possível. Até a sua morte, ele estava continuando a inovar e só se pode adivinhar como a forma como ele teria utilizado a tecnologia moderna que se desenvolveu desde então.
Ο καλλιτέχνης, ακόμη και ασχολήθηκε με τον υπολογιστή εικόνες που έχουν δημιουργηθεί ακριβώς όπως την τεχνολογία αυτή είχε γίνει δυνατό. Δικαίωμα μέχρι το θάνατό του, συνέχιζε να inovate και μπορεί κανείς να μαντέψει μόνο το πώς θα έπρεπε να έχει χρησιμοποιηθεί η σύγχρονη τεχνολογία που έχει αναπτυχθεί από τότε.
Umělec se dokonce stal zapletený s počítačem generované obrazy, stejně jako to techonology stal se možný. Až do své smrti, byl nadále inovate a jeden může jen hádat, jak jak by využil moderní technologii, která vyvinula od té doby.
Kunstneren selv blev involveret med computer genererede billeder, ligesom denne techonology var ved at blive muligt. Helt op til hans død, blev han fortsætter med at inovate og man kan kun gætte på, hvordan han ville have udnyttet den moderne teknologi, der har udviklet sig siden.
Taiteilija tuli jopa mukana tietokoneella kuvia niin kuin tämä techonology oli tulossa mahdollista. Asti kuolemaansa, hän oli edelleen inovate ja voi vain arvailla kuinka hän olisi hyödynnetty modernia tekniikkaa, joka on kehitetty vuodesta.
Listamaðurinn jafnvel varð í tengslum við tölvu mynda myndir eins og þessi Techonology var að verða mögulegt. Allt að dauða hans, var hann að halda áfram að inovate og einn getur aðeins giska á eins hvernig hann hefði nýtt sér nútíma tækni sem hefur þróast síðan.
Artis bahkan menjadi terlibat dengan gambar yang dihasilkan komputer seperti techonology ini menjadi mungkin. Sampai ke kematiannya, ia terus inovate dan satu hanya bisa menebak bagaimana ia akan memanfaatkan teknologi modern yang telah dikembangkan sejak.
Kunstneren selv ble involvert med datagenererte bilder like denne techonology var blitt mulig. Helt frem til sin død, ble han fortsetter å inovate og man kan bare gjette hvordan han ville ha utnyttet den moderne teknologi som har utviklet seg siden den gang.
Artysta zaangażował się nawet generowane obrazów jak to możliwe stawała Techonology komputera. Aż do jego śmierci, był nadal inovate i można się tylko domyślać, jak, jak miałby wykorzystać nowoczesną technologię, która rozwinęła się od.
Artistul chiar sa implicat cu imagini generate de computer la fel cum această tehnologie plus a devenit posibil. Până la moartea sa, el a fost continua sa inova și se poate doar ghici ca cum ar fi folosit tehnologia modernă care sa dezvoltat de atunci.
Konstnären blev även involverad med datorgenererade bilder på samma sätt som denna techonology blev möjligt. Ända fram till sin död var han fortsätter att inovate och man kan bara gissa hur han skulle ha utnyttjat modern teknik som har utvecklats sedan dess.
Bilgisayar bu teknolojiyi mümkün haline geldi gibi oluşturulan görüntüleri ile sanatçı bile dahil oldu. Sağ ölümüne kadar, o inovate devam ediyordu ve o zamandan beri geliştirdiği modern teknolojiyi kullanmış olması olarak nasıl biri sadece tahmin edebilirsiniz.
Các nghệ sĩ thậm chí đã trở thành tham gia với máy tính tạo ra hình ảnh giống như techonology này đã trở thành có thể. Ngay đến cái chết của ông, ông đã tiếp tục Inovate và ta chỉ có thể đoán như thế nào anh có thể đã sử dụng các công nghệ hiện đại đã phát triển từ.
Artis walaupun menjadi terlibat dengan komputer imej seperti techonology ini telah menjadi mungkin. Sehingga kepada kematiannya, beliau telah terus inovate dan kita hanya boleh meneka bagaimana dia akan menggunakan teknologi moden yang telah dibangunkan sejak.
  Jackson Pollock Schilde...  
In november 2006, Pollock’s No. 5, 1948 werd ‘s werelds duurste schilderij, toen het particulier werd verkocht aan een onbekende koper voor de som van $ 140.000.000. De vorige eigenaar was de film en muziek-producer David Geffen.
En Novembre 2006, le n ° 5 de Pollock, 1948, est devenu le tableau le plus cher du monde, quand il a été vendu à un acheteur privé non divulguée pour la somme de $ 140 000 000. Le propriétaire précédent était le cinéma et la musique-producteur David Geffen. Il se murmure que le propriétaire actuel est un homme d’affaires et collectionneur d’art allemand.
Im November 2006 wurde Pollocks No. 5, 1948 wurde der weltweit teuerste Gemälde, wann wurde sie privat an einen unbekannten Käufer für die Summe von 140.000.000 $ verkauft. Der Vorbesitzer war Film-und Musik-Produzent David Geffen. Es wird gemunkelt, dass der jetzige Besitzer ein deutscher Geschäftsmann und Kunstsammler.
En noviembre de 2006, de Pollock No. 5, 1948 se convirtió en la pintura más cara del mundo, cuando fue vendida a un comprador privado no revelada por la suma de 140.000.000 dólares. El dueño anterior era el cine y la música-productor David Geffen. Se rumorea que el actual propietario es un hombre de negocios y coleccionista de arte alemán.
Em novembro de 2006, n º 5 de Pollock, 1948 se tornou a pintura mais cara do mundo, quando foi vendido a um comprador particular não divulgado para a soma de 140 milhões dólar. O proprietário anterior era de cinema e música-produtor David Geffen. Há rumores de que o atual proprietário é um empresário e colecionador de arte alemão.
V listopadu 2006, Pollockova No. 5, 1948 se stal světově nejdražší obraz, kdy byl prodán soukromě na neznámé kupce pro součet 140000000 dolar. Předchozí majitel byl film a hudba-producent David Geffen. Říká se, že současný majitel je německý obchodník a sběratel umění.
I november 2006 Pollocks No. 5, 1948 blev verdens dyreste maleri, da det blev privat solgt til et ukendt køber for summen af ​​140 millioner dollars. Den tidligere ejer var film og musik-producer David Geffen. Der er rygter om, at den nuværende ejer er en tysk forretningsmand og kunstsamler.
Marraskuussa 2006, Pollockin nro 5, 1948 tuli maailman kallein maalaus, jolloin se myytiin yksityisesti julkistamatonta ostajalle summa 140.000.000 dollaria. Edellinen omistaja oli elokuva ja musiikki-tuottaja David Geffen. Huhutaan, että nykyinen omistaja on saksalainen liikemies ja taiteen keräilijä.
Í nóvember 2006, nr Pollock er 5, 1948 varð dýrasta málverk í heimi, þegar það var selt í einkaeigu til ótilgreindur kaupanda fyrir summu $ 140.000.000. Fyrri eigandi var kvikmynd og tónlist-framleiðandi David Geffen. Það er orðrómur um að núverandi eigandi er þýskur kaupsýslumaður og list safnari.
Pada bulan November 2006, Pollock No 5 1948 menjadi lukisan termahal di dunia, ketika dijual secara pribadi kepada pembeli yang dirahasiakan untuk jumlah $ 140.000.000. Pemilik sebelumnya adalah film dan musik-produser David Geffen. Hal ini dikabarkan bahwa pemilik saat ini adalah seorang pengusaha dan kolektor seni Jerman.
I november 2006 Pollocks No. 5, 1948 ble verdens dyreste maleri, da det ble solgt privat til en ukjent kjøper for summen av $ 140 millioner. Den forrige eieren var film og musikk-produsent David Geffen. Det ryktes at den nåværende eieren er en tysk forretningsmann og kunstsamler.
W listopadzie 2006, Nr 5 Pollocka, 1948 stał na świecie najdroższy obraz, kiedy to sprzedano prywatnie nieujawnioną nabywcy za kwotę 140.000.000 dolarów. Poprzedni właściciel był filmu i muzyki, producent David Geffen. Mówi się, że obecny właściciel jest niemiecki przedsiębiorca i kolekcjoner sztuki.
În noiembrie 2006, Pollock No. 5, 1948 a devenit cel mai scump tablou din lume, atunci când a fost vândut unui cumpărător privat confidențiale pentru suma 140 milioane dolari. Proprietarul anterior a fost de film și muzică, producător David Geffen. Se zvonește că proprietarul actual este un om de afaceri și colecționarul de artă germană.
I november 2006, Pollock är nr 5, 1948 blev världens dyraste målning, då det såldes privat till en hemlig köpare för summan av $ 140.000.000. Den tidigare ägaren var film och musik-producenten David Geffen. Det ryktas att den nuvarande ägaren är en tysk affärsman och konstsamlare.
O 140.000.000 $ toplamı için açıklanmayan bir alıcıya özel olarak satıldığı zaman 2006 yılının Kasım ayında, Pollock No 5, 1948, dünyanın en pahalı resim oldu. Önceki sahibi film ve müzik yapımcısı David Geffen oldu. Mevcut sahibi Alman işadamı ve sanat koleksiyoncusu olduğu söyleniyor.
Trong tháng 11 năm 2006, số Pollock 5, 1948 đã trở thành bức tranh đắt nhất thế giới, khi nó được bán cho một người mua tư nhân không được tiết lộ cho tổng của $ 140,000,000. Các chủ sở hữu trước đó là phim ảnh và âm nhạc nhà sản xuất David Geffen. Có tin đồn rằng các chủ sở hữu hiện tại là một doanh nhân và nghệ thuật thu Đức.
Pada bulan November 2006, Pollock No 5, 1948 menjadi lukisan yang paling mahal di dunia, apabila ia telah dijual peribadi kepada pembeli yang tidak didedahkan bagi jumlah sebanyak $ 140,000,000. Pemilik sebelumnya adalah filem dan muzik-penerbit David Geffen. Ia adalah khabar angin bahawa pemilik semasa adalah seorang ahli perniagaan dan seni Jerman pengumpul.
  Marc Chagall Schilderij...  
Chagalls werk tijdens alle fasen van zijn leven, het was zijn kleuren die aangetrokken en veroverde de aandacht van de kijker. In zijn vroegere jaren werd zijn gamma beperkt door zijn nadruk op de vorm en zijn foto’s nooit de indruk van geschilderde tekeningen gaf.
Le travail de Chagall pendant toutes les étapes de sa vie, ce sont ses couleurs qui ont attiré et capturé l’attention du spectateur. Dans ses premières années de sa gamme a été limitée par son insistance sur la forme et ses photos n’a jamais donné l’impression de dessins peints. Après avoir absorbé les techniques du fauvisme et le cubisme, il a été en mesure de les mélanger avec son propre style Folkish.
Chagall Arbeit in allen Phasen seines Lebens, es war seine Farben, die angezogen und eingefangen die Aufmerksamkeit des Betrachters. In seinen früheren Jahren wurde sein Sortiment durch seine Betonung der Form beschränkt und seine Bilder den Eindruck von gemalten Zeichnungen gab nie. Nach der Aufnahme der Techniken des Fauvismus und Kubismus, konnte er sie mit seinen eigenen völkischen Stil mischen.
La obra de Chagall durante todas las etapas de su vida, fueron sus colores que atrajo y capturó la atención del espectador. En sus primeros años de su rango estaba limitado por su énfasis en la forma y sus cuadros nunca le dio la impresión de dibujos pintados. Después de absorber las técnicas del fauvismo y el cubismo, fue capaz de combinar con su propio estilo folk.
L’opera di Chagall in tutte le fasi della sua vita, è stato il suo colore che ha attirato e catturato l’attenzione dello spettatore. Nei suoi primi anni la sua gamma era limitata dalla sua enfasi sulla forma e le sue immagini non ha mai dato l’impressione di disegni dipinti. Dopo aver assorbito le tecniche di fauvismo e il cubismo, fu in grado di fondere loro con il suo stile folk.
A obra de Chagall durante todas as fases de sua vida, foi o que atraiu suas cores e capturou a atenção do espectador. Em seus primeiros anos o seu alcance foi limitado por sua ênfase na forma e suas fotos nunca deu a impressão de desenhos pintados. Depois de absorver as técnicas de fauvismo e do cubismo, ele foi capaz de misturá-las com seu próprio estilo folkish.
Chagall práce ve všech fázích jeho života, bylo to jeho barvy, která přilákala a zachytil pozornost diváka. Ve svých dřívějších letech byl jeho rozsah omezen jeho důraz na formuláři a jeho obrazy nikdy působil dojmem malovaných kreseb. Po absorbování techniky fauvismu a kubismu, byl schopen je splynout s vlastním folkovými stylem.
Chagall arbejde i alle faser af hans liv, var det hans farver, der tiltrak og erobrede beskuerens opmærksomhed. I sine tidligere år sit sortiment var begrænset af sin vægt på form og hans billeder har aldrig gav indtryk af malede tegninger. Efter at absorbere de teknikker til Fauvisme og kubisme, var han i stand til at blande dem med sit eget folkish stil.
Chagall työ kaikissa vaiheissa hänen elämänsä, se oli hänen värejä, jotka houkuttelivat ja vangiksi katsojan huomion. Hänen Aikaisempina vuosina hänen valikoima rajoitti hänen painotetaan lomakkeella ja hänen kuvia koskaan antoi vaikutelman maalattujen piirustuksia. Absorboituaan tekniikoita Fauvismi ja kubismi, hän pystyi ne istuvat omalla folkahtavaa tyyliin.
अपने जीवन के सभी चरणों के दौरान चगल का काम है, यह आकर्षित किया है और दर्शकों का ध्यान कब्जा कर लिया है जो अपने रंग था। अपने पहले के वर्षों में अपनी सीमा के फार्म पर उसका जोर द्वारा सीमित है और उसकी तस्वीरें चित्रित चित्र का आभास नहीं दिया गया था। Fauvism और क्यूबिज्म की तकनीकों को अवशोषित करने के बाद, वह अपने ही folkish शैली के साथ उन्हें मिश्रण करने में सक्षम था।
Vinna Chagall er á öllum stigum lífs síns, var það liti hans sem vakti og handtaka athygli áhorfandans. Í fyrri árum sínum svið hans var takmörkuð af áherslu hans á formi og myndir hans aldrei gaf til kynna máluð teikningum. Eftir hrífandi tækni við Fauvism og kúbismans, var hann fær um að blanda þá með eigin folkish stíl hans.
Karya Chagall selama semua tahap hidupnya, itu warna nya yang menarik dan menangkap perhatian pemirsa. Dalam tahun-tahun sebelumnya kisaran nya dibatasi oleh penekanannya pada bentuk dan gambar nya tidak pernah memberi kesan gambar dicat. Setelah menyerap teknik Fauvisme dan Kubisme, ia mampu memadukan mereka dengan gaya folkish sendiri.
Chagall arbeid i alle faser av livet, det var hans farger som tiltrakk og fanget betrakterens oppmerksomhet. I sine tidligere år rangen hans var begrenset av sin vekt på form og bildene hans ga aldri inntrykk av malte tegninger. Etter absorberende teknikker for Fauvisme og kubisme, var han i stand til å blande dem med sin egen folkish stil.
Prace Chagalla na wszystkich etapach jego życia, to jego kolor, który przyciąga i złapanych uwagę widza. W swoich wcześniejszych latach jego zakres był ograniczony przez jego nacisk na formę, a jego zdjęcia nie dał wrażenie malowanych rysunków. Po wchłonięciu techniki fowizm i kubizm, był w stanie zmieszać je z własnej folkish stylu.
Munca Chagall timpul toate etapele vieții sale, a fost culorile lui, care au atras și capturat atentia privitorului. În anii sale anterioare gama sa a fost limitată de accentul său pe forma si poze lui nu a dat impresia de desene pictate. După absorbție tehnicile de fovismul și Cubismul, el a fost capabil să-i amestec cu propriul stil folkish.
Chagall arbete under alla skeden av livet, det var hans färger som lockade och fångade betraktarens uppmärksamhet. I hans tidigare år sitt sortiment begränsades av hans betoning på form och hans bilder aldrig gav intrycket av målade teckningar. Efter att absorbera de metoder för Fauvism och kubismen, kunde han blanda dem med sin egen folklig stil.
Hayatının bütün dönemlerinde Chagall’ın çalışmaları, bu çekici ve izleyicinin dikkatini çekti, onun renkleri oldu. Daha önceki yıllarda yaptığı aralık formunda yaptığı vurgu ile sınırlı ve onun fotoğraf boyalı çizimleri izlenimi verdi değildi. Fovizm ve Kübizm tekniklerini emen sonra, kendi folkish tarzı ile harmanlayın başardı.
Việc Chagall trong tất cả các giai đoạn của cuộc đời mình, đó là màu sắc của mình mà thu hút và gây sự chú ý của người xem. Trong những năm trước đây của ông phạm vi của mình đã được giới hạn bằng cách nhấn mạnh vào hình thức và hình ảnh của mình không bao giờ gây ra ấn tượng của bản vẽ sơn. Sau khi hấp thụ các kỹ thuật của trường phái dã thú và Lập thể, ông đã có thể pha trộn chúng với phong cách folkish của riêng mình.
Kerja Chagall semasa semua peringkat hidupnya, ia adalah warna beliau yang menarik dan menarik perhatian penonton. Dalam tahun-tahun awal beliau pelbagai beliau telah dihadkan oleh penekanan mengenai bentuk dan gambar beliau tidak pernah memberikan gambaran lukisan dicat. Selepas menyerap teknik Fauvism dan Cubism, dia mampu untuk menggabungkan mereka dengan gaya sendiri folkish.
  Marc Chagall Schilderij...  
De Parijse School, die werd aangeduid als ‘Parijse Surrealisme’ betekende weinig voor hen. Die houding zou beginnen te veranderen, echter, wanneer Pierre Matisse, de zoon van erkende Franse kunstenaar Henri Matisse, werd zijn vertegenwoordiger en hield Chagall tentoonstellingen in New York en Chicago in 1941.
L’Ecole de Paris, qui a été désigné comme ‘surréalisme parisien »signifiait peu pour eux. Ces attitudes seraient commencer à changer, cependant, quand Pierre Matisse, le fils de l’artiste français reconnu Henri Matisse, est devenu son représentant et a tenu des expositions Chagall à New York et à Chicago en 1941. L’une des premières expositions inclus 21 de ses chefs-d’œuvre de 1910 à 1941.
Die Pariser Schule, die als “Pariser Surrealismus” genannt wurde bedeutet wenig, um sie. Diese Haltung würde beginnen, sich jedoch ändern, wenn Pierre Matisse, der Sohn anerkannt Französisch Künstler Henri Matisse, wurde sein Vertreter und hielt Chagall Ausstellungen in New York und Chicago im Jahre 1941. Eines der frühesten Ausstellungen enthalten 21 seiner Meisterwerke von 1910 bis 1941.
La Escuela de París, que se conoce como ‘surrealismo parisino’ significaba poco para ellos. Esas actitudes comenzarían a cambiar, sin embargo, cuando Pierre Matisse, hijo del reconocido artista francés Henri Matisse, se convirtió en su representante y celebró exposiciones Chagall en Nueva York y Chicago en 1941. Una de las primeras exposiciones incluidas 21 de sus obras maestras de 1910 a 1941.
La Scuola di Parigi, che è stato denominato ‘surrealismo parigino’ significava poco per loro. Tali atteggiamenti avrebbero cominciato a cambiare, tuttavia, quando Pierre Matisse, il figlio dell’artista francese riconosciuto Henri Matisse, divenne il suo rappresentante e tenuto mostre Chagall a New York e Chicago nel 1941. Una delle prime mostre inclusi 21 dei suoi capolavori dal 1910 al 1941.
A Escola de Paris, que foi designado por «Surrealismo em Paris ‘pouco significava para eles. Essas atitudes iria começar a mudar, no entanto, quando Pierre Matisse, o filho do artista francês reconheceu Henri Matisse, tornou-se o seu representante e realizou exposições Chagall em Nova York e Chicago, em 1941. Uma das primeiras exposições incluídas 21 de suas obras-primas de 1910 a 1941.
Paris School, která byla označována jako “pařížský surrealismus” znamenalo jen málo pro ně. Tyto postoje by se začnou měnit, nicméně, když Pierre Matisse, syn uznán francouzského umělce Henriho Matisse, se stal jeho zástupcem a držel Chagall výstavy v New Yorku a Chicagu v roce 1941. Jedním z prvních výstav součástí 21 ze svých mistrovských děl od 1910 do 1941.
Paris School, som blev benævnt »parisiske surrealisme ‘betød lidt for dem. Disse holdninger vil begynde at ændre, men når Pierre Matisse, søn af anerkendte franske kunstner Henri Matisse, blev hans repræsentant og holdt Chagall udstillinger i New York og Chicago i 1941. En af de tidligste udstillinger omfattede 21 af hans mesterværker fra 1910 til 1941.
Paris School, jota kutsuttiin “pariisilainen Surrealismi” tarkoitti vähän niitä. Ne asenteet alkaisi kuitenkin muuttua, kun Pierre Matisse, poika tunnustettu ranskalainen taiteilija Henri Matisse, tuli hänen edustajansa ja piti Chagall näyttelyitä New Yorkissa ja Chicagossa vuonna 1941. Yksi varhaisimmista näyttelyitä mukana 21 hänen mestariteoksia 1910 1941.
‘पेरिस अतियथार्थवाद’ के रूप में भेजा गया था, जो पेरिस स्कूल, उनके लिए थोड़ा मतलब। उन लोगों के नजरिए पियरे मैटिस, मान्यता प्राप्त फ्रांसीसी कलाकार हेनरी मैटिस का बेटा है, उनके प्रतिनिधि बन गई है और जल्द से जल्द प्रदर्शनियों में से एक के लिए 1910 से उनकी कृतियों में से 21 शामिल 1941 में न्यूयॉर्क और शिकागो में चगल प्रदर्शनियों का आयोजन किया है, तथापि, परिवर्तित करने के लिए शुरू होगा 1941।
The Paris School, sem var kölluð “Parisian súrrealisma ‘þýddi lítið að þeim. Þeir viðhorf myndi byrja að breytast hins vegar þegar Pierre Matisse, sonur viðurkennt franska listamannsins Henri Matisse, varð fulltrúi hans og haldið Chagall sýningar í New York og Chicago í 1941. Eitt af elstu sýningum með 21 af meistaraverkum sínum frá 1910 til 1941.
Paris School, yang disebut sebagai ‘Surealisme Paris’ berarti bagi mereka. Mereka sikap akan mulai berubah, namun, ketika Pierre Matisse, anak diakui seniman Perancis Henri Matisse, menjadi wakilnya dan diadakan Chagall pameran di New York dan Chicago pada tahun 1941. Salah satu pameran paling awal termasuk 21 karya nya dari tahun 1910 ke 1941.
Den Paris School, som ble referert til som “parisisk surrealismen ‘betydde lite for dem. Disse holdningene vil begynne å forandre seg, men når Pierre Matisse, sønn av anerkjente franske kunstneren Henri Matisse, ble hans representant og holdt Chagall utstillinger i New York og Chicago i 1941. En av de tidligste utstillinger inkludert 21 av hans mesterverk fra 1910 til 1941.
Paris School, który dalej “paryskim surrealizmu” oznaczało trochę im. Postawy te zaczną się zmieniać, jednak, gdy Pierre Matisse, syn francuskiego artysty uznane Henri Matisse, stał się jego przedstawiciel i wystawy odbywają się w Nowym Jorku, Chagall i Chicago w 1941. Jednym z pierwszych wystaw zawiera 21 jego dzieł od 1910 do 1941.
Școala Paris, care a fost denumit “suprarealism parizian” menit puțin pentru ei. Aceste atitudini ar începe să se schimbe, însă, atunci când Pierre Matisse, fiul artistului francez recunoscut Henri Matisse, a devenit reprezentantul său și a avut loc expoziții Chagall în New York și Chicago în 1941. Unul dintre primele expoziții au inclus 21 dintre capodoperele sale din 1910 la 1941.
Parisskolan, som kallades “Paris Surrealism” innebar lite för dem. Dessa attityder skulle börja förändras dock när Pierre Matisse, son till erkända franska konstnären Henri Matisse, blev hans företrädare och höll Chagall utställningar i New York och Chicago i 1941. En av de tidigaste utställningarna ingår 21 av hans mästerverk från 1910 till 1941.
‘Parisli Sürrealizm’ olarak sevk edildi Paris Okulu, onlara biraz geliyordu. Bu tutum Pierre Matisse, tanınmış Fransız sanatçı Henri Matisse oğlu onun temsilcisi oldu ve ilk sergilerinden biri 1910 onun başyapıtlarından 21 dahil 1941 yılında New York ve Chicago’da Chagall sergi zaman, ancak, değiştirmek başlayacaktı 1941.
Các trường Paris, được gọi là “chủ nghĩa siêu thực Paris ‘có nghĩa là ít đối với họ. Những thái độ sẽ bắt đầu thay đổi, tuy nhiên, khi Pierre Matisse, con trai của nghệ sĩ người Pháp công nhận Henri Matisse, trở thành đại diện của mình và tổ chức triển lãm Chagall ở New York và Chicago vào năm 1941. Một trong những triển lãm đầu tiên bao gồm 21 kiệt tác của ông từ năm 1910 đến năm 1941.
Paris Sekolah, yang disebut sebagai ‘surealisme Paris’ bermakna sedikit kepada mereka. Mereka sikap akan mula berubah, bagaimanapun, apabila Pierre Matisse, anak diiktiraf artis Perancis Henri Matisse, menjadi wakilnya dan diadakan pameran Chagall di New York dan Chicago pada tahun 1941. Salah satu pameran yang paling awal termasuk 21 daripada karya-karya dari 1910 hingga 1941.
  Marc Chagall Schilderij...  
Tijdens zijn tijd in Parijs Chagall werd voortdurend herinnerd aan zijn huis in Rusland, als Parijs was ook de thuisbasis van vele Russische schilders, schrijvers, dichters, componisten, dansers en andere emigre’s.
Pendant son temps à Paris Chagall a été constamment rappelé de son domicile en Russie, que Paris était également à la maison à beaucoup de peintres russes, écrivains, poètes, compositeurs, danseurs, et autres émigrés. Cependant, “la nuit après nuit, il peint jusqu’à l’aube,” alors seulement d’aller au lit pendant quelques heures, et a résisté aux nombreuses tentations de la grande ville la nuit.
Während seiner Zeit in Paris Chagall war ständig von seinem Haus in Russland erinnert, als Paris war auch die Heimat vieler russischer Maler, Schriftsteller, Dichter, Komponisten, Tänzer und andere Emigranten. Doch “Nacht für Nacht malte er bis zum Morgengrauen”, nur dann zu Bett gehen für ein paar Stunden, und widerstand den vielen Versuchungen der Großstadt in der Nacht.
Durante su estancia en París, Chagall se recuerda constantemente de su casa en Rusia, como París fue también el hogar de muchos pintores rusos, escritores, poetas, compositores, bailarines y otros emigrados de. Sin embargo, “noche tras noche pintó hasta el amanecer”, sólo entonces ir a la cama durante unas horas, y se resistió a las tentaciones de la gran ciudad por la noche.
Durante la sua permanenza a Parigi, Chagall è stato costantemente ricordato della sua casa in Russia, come Parigi era anche la patria di molti pittori russi, scrittori, poeti, compositori, ballerini e altri emigrati di. Tuttavia, “la notte dopo notte dipinse fino all’alba”, solo allora di andare a letto per un paio d’ore, e resistito le molte tentazioni della grande città di notte.
Durante seu tempo em Paris Chagall era constantemente lembrado de sua casa na Rússia, como Paris foi também o lar de muitos pintores russos, escritores, poetas, compositores, dançarinos e outro emigrado da. No entanto, “noite após noite ele pintou até o amanhecer”, só então ir para a cama por algumas horas, e resistiu às muitas tentações da cidade grande durante a noite.
Během svého času v Paříži Chagall byl neustále připomínal svého domova v Rusku, protože Paříž byl také domov pro mnoho ruských malířů, spisovatelů, básníků, skladatelé, tanečníků a dalších emigrant je. Nicméně, “noc co noc maloval až do rána,” teprve pak jít do postele na pár hodin, a odolával mnoho pokušení velkého města v noci.
I løbet af sin tid i Paris Chagall konstant blev mindet om sit hjem i Rusland, da Paris var også hjemsted for mange russiske malere, forfattere, digtere, komponister, dansere og andre emigrant er. Men “nat efter nat, han malede indtil daggry,” kun da jeg går i seng i et par timer, og modstod de mange fristelser storbyen natten.
Hänen aikanaan Pariisissa Chagall oli jatkuvasti muistutetaan hänen kotiin Venäjällä, sillä Pariisissa oli myös lukuisia Venäjän taidemaalarit, kirjailijat, runoilijat, säveltäjät, tanssijoita ja muita emigranttien n. Kuitenkin “ilta illan jälkeen hän maalasi aamunkoittoon asti,” vasta sitten nukkumaan muutamaksi tunniksi, ja vastusti monia houkutuksia suurkaupungin yöllä.
पेरिस कई रूसी चित्रकारों, लेखकों, कवियों, संगीतकारों, नर्तकों, और अन्य प्रवासी के लिए भी घर गया था के रूप में पेरिस चगल में अपने समय के दौरान लगातार, रूस में अपने घर की याद दिला रहा था। हालांकि, उसके बाद ही कुछ घंटों के लिए बिस्तर पर जाने से “रात रात के बाद वह सुबह तक चित्रित”, और रात में बड़े शहर के कई लालच का विरोध किया।
Á tíma sínum í París Chagall var stöðugt minnt á heimili hans í Rússlandi, eins og Paris var einnig heimili til margir rússneskum málara, rithöfunda, skáld, tónskáld, dansarar og annað Emigre er. Hins vegar, “nótt eftir nótt að hann málaði til dögun,” aðeins þá fara að sofa í nokkrar klukkustundir, og gegn mörgum freistingar stórborgarinnar á nóttunni.
Selama waktunya di Paris Chagall terus-menerus mengingatkan rumahnya di Rusia, seperti Paris adalah juga rumah bagi banyak pelukis Rusia, penulis, penyair, komposer, penari, dan lainnya imigran itu. Namun, “malam demi malam ia melukis sampai subuh,” hanya kemudian pergi ke tempat tidur selama beberapa jam, dan menolak banyak godaan dari kota besar di malam hari.
I løpet av sin tid i Paris Chagall ble stadig minnet om hans hjem i Russland, som Paris var også hjemmet til mange russiske malere, forfattere, poeter, komponister, dansere og andre flyktningene tallet. Men “natt etter natt han malte før daggry”, først da går til sengs for et par timer, og motstått mange fristelser i storbyen om natten.
Podczas pobytu w Paryżu Chagall był stale przypominać o swoim domu w Rosji, jak Paryż był także domem dla wielu rosyjskich malarzy, pisarzy, poetów, kompozytorów, tancerze i inne emigrant jest. Jednak “noc po nocy do świtu malował,” dopiero wtedy się do łóżka na kilka godzin, a opór wielu pokusom wielkiego miasta w nocy.
În timpul său de la Paris a fost în mod constant Chagall amintit de casa lui din Rusia, ca Paris a fost, de asemenea, acasa, la multe pictori ruși, scriitori, poeți, compozitori, dansatori, și alte emigrant lui. Cu toate acestea, “noapte de noapte a pictat până în zori,” doar atunci merge la culcare timp de câteva ore, și a rezistat multe ispitele oraș mare pe timp de noapte.
Under sin tid i Paris Chagall ständigt blev påmind om hans hem i Ryssland, som Paris var också hem för många ryska konstnärer, författare, poeter, kompositörer, dansare och andra emigrant-talet. Men “natt efter natt som han målade tills gryningen,” bara sedan gå till sängs för ett par timmar, och motstånd de många frestelser i den stora staden på natten.
Paris, birçok Rus ressamlar, yazarlar, şairler, besteciler, dansçılar ve diğer göçmen en de ev olarak Paris Chagall yaptığı süre boyunca sürekli Rusya’da evinin hatırlatıldı. Ancak, daha sonra birkaç saat boyunca yatmadan “gece gece sonra o sabaha kadar boyalı”, ve geceleri büyük kentin birçok Temptations direndi.
Trong thời gian ở Paris Chagall đã liên tục nhắc nhở các nhà của ông ở Nga, như Paris là cũng là nơi có nhiều họa sĩ Nga, nhà văn, nhà thơ, nhạc sĩ, vũ công và những người di cư khác. Tuy nhiên, “những đêm anh vẽ cho đến khi bình minh”, chỉ sau đó đi ngủ cho một vài giờ, và chống lại nhiều cám dỗ của các thành phố lớn vào ban đêm.
Semasa di Paris Chagall sentiasa diingatkan rumahnya di Rusia, kerana Paris juga rumah kepada pelbagai pelukis Rusia, penulis, penyair, komposer, penari, dan Dhabaah lain. Walau bagaimanapun, “malam selepas malam dia dicat sehingga subuh,” barulah tidur selama beberapa jam, dan menentang banyak godaan bandar besar pada waktu malam.
  Jackson Pollock Schilde...  
Elk schilderij zou hebben grote hoeveelheden van willekeur, aangemoedigd door zijn onbewuste geest, zonder consistente onderwerp van het ene schilderij naar het volgende. Het was de geboorte van de abstracte schilderkunst als Pollock’s onderbewustzijn werd ontrafeld in een fusie van werken aanbieden van zijn vrijheid van de verbeelding als een bizarre vorm van kunst.
Jackson Pollock avait une méthode unique pour la création de ses chefs-d’œuvre, en encerclant autour d’une immense toile posée à plat sur le sol, comme il le ferait couler, verser et les éclaboussures peint au hasard sur la toile. Cela a depuis été appelé l’action painting. Chaque peinture aurait de grandes quantités de hasard, encouragés par son inconscient, sans sujet cohérent d’un tableau à l’autre. Ce fut la naissance de la peinture abstraite que le subconscient de Pollock est devenu démêlé dans une fusion des œuvres offrant sa liberté de l’imagination comme une forme d’art bizarre.
Jackson Pollock hatte eine einzigartige Methode zum Erstellen seiner Meisterwerke, die von Kreisen um einer riesigen Leinwand flach auf dem Boden, wie er es tropft, gießen und splash Farben nach dem Zufallsprinzip auf die Leinwand. Dies wurde inzwischen Action Painting bezeichnet. Jedes Gemälde müssten große Mengen an Zufälligkeit, ermutigt von seinem Unterbewusstsein, ohne einheitliches Subjekt von einem Gemälde zum nächsten. Es war die Geburtsstunde der abstrakten Malerei als Pollock Unterbewusstsein wurde in einer Mischung aus Werken mit seiner Freiheit der Phantasie als bizarre Kunstform entwirrt.
Jackson Pollock tenía un método único para la creación de sus obras maestras, encerrando en un círculo alrededor de una enorme lona puesta completamente en el piso, como a él le gotear, verter y salpicaduras pinturas al azar en el lienzo. Esto ya se ha denominado la pintura de acción. Cada pintura tendría grandes cantidades de aleatoriedad, alentados por su mente inconsciente, sin asunto constante de un cuadro a otro. Fue el nacimiento de la pintura abstracta como el subconsciente de Pollock se convirtió deshizo en una fusión de obras que ofrecen la libertad de la imaginación como una forma de arte bizarro.
Jackson Pollock tinha um método único para a criação de suas obras-primas, circulando em torno de uma enorme tela deitadas no chão, como ele iria escorrer, despeje e respingo pinta aleatoriamente na tela. Isso já foi chamado de pintura da ação. Cada pintura teria grandes quantidades de aleatoriedade, incentivado por sua mente inconsciente, sem assunto consistente de uma pintura para o próximo. Era o nascimento de pintura abstrata como subconsciente de Pollock ficou desvendado em uma fusão de obras que oferecem a sua liberdade de imaginação como uma forma de arte bizarro.
Jackson Pollock měl jedinečnou metodu pro vytváření jeho mistrovská díla, zakroužkováním kolem obrovského plátna rozprostřené na podlaze, jak on by odkapává, zalijeme a stříkající barvy náhodně na plátně. To má protože been nazval akční malbu. Každý obraz bude mít velké množství náhodnosti, povzbuzený jeho podvědomí, s žádnou konzistentní téma z jednoho malby na další. To byl zrod abstraktního malířství jako Pollockova podvědomí stal odhalili v fúze prací, které nabízejí svou svobodu představivosti jako bizarní umělecká forma.
Jackson Pollock havde en unik metode til at skabe hans mesterværker, ved kredser omkring en kæmpe lærred fladt på gulvet, som han ville dryppe, hæld og maler stænk tilfældigt på lærredet. Dette er siden blevet betegnet handling maleri. Hvert maleri ville have store mængder af tilfældighed, opmuntret af hans ubevidste sind, med ingen konsekvent emne fra den ene maleri til den næste. Det var fødslen af ​​abstrakte maleri som Pollock underbevidsthed blev unraveled i en fusion af værker, der tilbyder sin frihed fantasi som en bizar kunstform.
Jackson Pollock oli ainutlaatuinen tapa luoda hänen mestariteoksia, ympyröimällä noin valtava kangas vahvistetut lattialla, koska hän tippua, kaada ja tilkka maalaa satunnaisesti kankaalle. Tämä on sittemmin nimetty toimintaa maalaus. Kullakin maalaus olisi suuria määriä sattumanvaraisuuden, rohkaisi hänen tiedostamaton mieli, ilman johdonmukaista aihetta yhden maalauksen seuraavaan. Se oli synty abstraktin maalauksen Pollockin alitajuntaan tuli unraveled vuonna fuusio teoksia tarjoamalla hänen vapauden mielikuvitus outo taidemuoto.
Jackson Pollock hafði einstakt aðferð til að búa til meistaraverk hans, með circling í kringum risastórt striga mælt íbúð á gólfinu, eins og hann væri dreypi, hella og skvetta málningu handahófi á striga. Þetta hefur síðan verið nefnt aðgerð málverk. Hver málverk myndi hafa mikið magn af handahófi, hvattir af meðvitundarlaus huga hans, án samkvæmur efni frá einum mála til þeirrar næstu. Það var fæðing abstraktlistar sem undirvitund Pollock varð unraveled í samruna verkum bjóða frelsi ímyndunaraflsins sem furðulega listgrein.
Jackson Pollock memiliki metode unik untuk menciptakan karya-nya, dengan melingkari sekitar kanvas besar diletakkan datar di lantai, karena dia akan menetes, menuangkan dan percikan cat secara acak di kanvas. Ini telah dilakukan sejak disebut tindakan lukisan. Setiap lukisan akan memiliki jumlah besar keacakan, didorong oleh pikiran bawah sadar nya, tanpa subjek yang konsisten dari satu lukisan ke yang berikutnya. Ini adalah kelahiran lukisan abstrak sebagai bawah sadar Pollock menjadi terurai dalam perpaduan karya menawarkan kebebasan imajinasi sebagai bentuk seni yang aneh.
Jackson Pollock hadde en unik metode for å lage sine mesterverk, ved å sirkle rundt et stort lerret lagt flatt på gulvet, som han ville dryppe, hell og splash maling tilfeldig på lerretet. Dette har siden blitt kalt action painting. Hvert maleri ville ha store mengder av tilfeldig, oppmuntret av sin ubevisste sinn, med ingen konsekvent emne fra ett maleri til den neste. Det var fødselen av abstrakte maleriet som Pollock underbevissthet ble raknet i en fusjon av verk som tilbyr sin frihet på fantasi som en bisarr form for kunst.
Jackson Pollock miał unikalną metodę tworzenia swoich dzieł, zakreślając wokół ogromnego płótna płasko na podłodze, a on kapie, wlać i powitalny farby losowo na płótnie. To od tego czasu nazywany action painting. Każdy obraz będzie miał duże ilości przypadkowości, zachęcony przez jego podświadomości, bez spójnej temat malarstwa z jednego do następnego. To były narodziny malarstwa abstrakcyjnego, jak podświadomość Pollocka stał rozwikłać w fuzji prac oferujących jego swobodę wyobraźni jako dziwaczne formy sztuki.
Jackson Pollock a avut o metodă unică de a crea capodoperele sale, de circling în jurul o panza imensa întinse pe podea, așa cum el ar scurge, se toarnă și splash vopsele aleatoriu pe panza. Acest lucru a fost de atunci numit pictura acțiune. Fiecare tablou ar avea cantități mari de dezordine, încurajați de mintea inconstienta, cu nici un subiect consistent de la o pictură la alta. A fost nașterea picturii abstracte ca subconstientul Pollock a devenit dezvaluit intr-o fuziune de lucrări care oferă libertatea de imaginație ca o formă de artă bizar.
Jackson Pollock hade en unik metod för att skapa sina mästerverk, genom att ringa runt en stor duk som läggs direkt på golvet, som han skulle droppa, häll och stänk målar slumpmässigt på duken. Detta har sedan dess kallas action painting. Varje målning skulle ha stora mängder av slumpmässighet, uppmuntrade av hans undermedvetna, utan konsekvent ämne från en målning till nästa. Det var födelsen av abstrakt målning som Pollock undermedvetna blev avslöjad i en fusion av verk som erbjuder sin rätt till fri fantasi som en bisarr konstform.
Jackson Pollock o damla dökün ve sıçrama tuval üzerine rastgele boyalar gibi, yere düz koydu büyük bir tuval etrafında çember ile, onun başyapıtlarından oluşturmak için benzersiz bir yöntem vardı. Bu beri eylem resim olarak adlandırılmıştır. Her resim tek resim diğerine tutarlı bir konu ile, onun bilinçaltının tarafından teşvik rastgelelik büyük miktarda olurdu. Pollock bilinçaltı tuhaf bir sanat formu olarak hayal özgürlüğünü sunan eser füzyon sökülmüş oldu gibi soyut resmin doğuşu oldu.
Jackson Pollock đã có một phương pháp duy nhất cho việc tạo ra những kiệt tác của mình, bằng cách khoanh tròn xung quanh một tấm vải lớn đặt phẳng trên sàn nhà, như ông sẽ nhỏ giọt, đổ và sơn giật gân ngẫu nhiên trên canvas. Điều này có kể từ khi được gọi là sơn động. Mỗi bức tranh sẽ có số lượng lớn của sự ngẫu nhiên, được khuyến khích bởi tâm trí vô thức của mình, không có chủ đề nhất quán từ một bức tranh tiếp theo. Đó là sự ra đời của bức tranh trừu tượng như tiềm thức của Pollock trở nên sáng tỏ trong một sự hợp nhất của các công trình cung cấp tự do của mình tưởng tượng như là một hình thức nghệ thuật kỳ lạ.
Jackson Pollock mempunyai kaedah unik untuk mencipta karya-karya beliau, dengan membulatkan seluruh kanvas besar diletakkan rata di atas lantai, kerana dia akan menitis, tuangkan dan percikan cat secara rawak ke atas kanvas. Ini kemudiannya telah dipanggil lukisan tindakan. Setiap lukisan akan mempunyai jumlah yang besar rawak, digalakkan oleh fikiran bawah sedar dan tidak ada subjek yang konsisten dari satu lukisan ke yang berikutnya. Ia adalah kelahiran lukisan abstrak seperti bawah sedar Pollock menjadi dibongkar dalam gabungan kerja-kerja yang menawarkan kebebasan imaginasi sebagai satu bentuk seni yang pelik.
  Jackson Pollock Schilde...  
In november 2006, Pollock’s No. 5, 1948 werd ‘s werelds duurste schilderij, toen het particulier werd verkocht aan een onbekende koper voor de som van $ 140.000.000. De vorige eigenaar was de film en muziek-producer David Geffen.
En Novembre 2006, le n ° 5 de Pollock, 1948, est devenu le tableau le plus cher du monde, quand il a été vendu à un acheteur privé non divulguée pour la somme de $ 140 000 000. Le propriétaire précédent était le cinéma et la musique-producteur David Geffen. Il se murmure que le propriétaire actuel est un homme d’affaires et collectionneur d’art allemand.
Im November 2006 wurde Pollocks No. 5, 1948 wurde der weltweit teuerste Gemälde, wann wurde sie privat an einen unbekannten Käufer für die Summe von 140.000.000 $ verkauft. Der Vorbesitzer war Film-und Musik-Produzent David Geffen. Es wird gemunkelt, dass der jetzige Besitzer ein deutscher Geschäftsmann und Kunstsammler.
En noviembre de 2006, de Pollock No. 5, 1948 se convirtió en la pintura más cara del mundo, cuando fue vendida a un comprador privado no revelada por la suma de 140.000.000 dólares. El dueño anterior era el cine y la música-productor David Geffen. Se rumorea que el actual propietario es un hombre de negocios y coleccionista de arte alemán.
Em novembro de 2006, n º 5 de Pollock, 1948 se tornou a pintura mais cara do mundo, quando foi vendido a um comprador particular não divulgado para a soma de 140 milhões dólar. O proprietário anterior era de cinema e música-produtor David Geffen. Há rumores de que o atual proprietário é um empresário e colecionador de arte alemão.
V listopadu 2006, Pollockova No. 5, 1948 se stal světově nejdražší obraz, kdy byl prodán soukromě na neznámé kupce pro součet 140000000 dolar. Předchozí majitel byl film a hudba-producent David Geffen. Říká se, že současný majitel je německý obchodník a sběratel umění.
I november 2006 Pollocks No. 5, 1948 blev verdens dyreste maleri, da det blev privat solgt til et ukendt køber for summen af ​​140 millioner dollars. Den tidligere ejer var film og musik-producer David Geffen. Der er rygter om, at den nuværende ejer er en tysk forretningsmand og kunstsamler.
Marraskuussa 2006, Pollockin nro 5, 1948 tuli maailman kallein maalaus, jolloin se myytiin yksityisesti julkistamatonta ostajalle summa 140.000.000 dollaria. Edellinen omistaja oli elokuva ja musiikki-tuottaja David Geffen. Huhutaan, että nykyinen omistaja on saksalainen liikemies ja taiteen keräilijä.
Í nóvember 2006, nr Pollock er 5, 1948 varð dýrasta málverk í heimi, þegar það var selt í einkaeigu til ótilgreindur kaupanda fyrir summu $ 140.000.000. Fyrri eigandi var kvikmynd og tónlist-framleiðandi David Geffen. Það er orðrómur um að núverandi eigandi er þýskur kaupsýslumaður og list safnari.
Pada bulan November 2006, Pollock No 5 1948 menjadi lukisan termahal di dunia, ketika dijual secara pribadi kepada pembeli yang dirahasiakan untuk jumlah $ 140.000.000. Pemilik sebelumnya adalah film dan musik-produser David Geffen. Hal ini dikabarkan bahwa pemilik saat ini adalah seorang pengusaha dan kolektor seni Jerman.
I november 2006 Pollocks No. 5, 1948 ble verdens dyreste maleri, da det ble solgt privat til en ukjent kjøper for summen av $ 140 millioner. Den forrige eieren var film og musikk-produsent David Geffen. Det ryktes at den nåværende eieren er en tysk forretningsmann og kunstsamler.
W listopadzie 2006, Nr 5 Pollocka, 1948 stał na świecie najdroższy obraz, kiedy to sprzedano prywatnie nieujawnioną nabywcy za kwotę 140.000.000 dolarów. Poprzedni właściciel był filmu i muzyki, producent David Geffen. Mówi się, że obecny właściciel jest niemiecki przedsiębiorca i kolekcjoner sztuki.
În noiembrie 2006, Pollock No. 5, 1948 a devenit cel mai scump tablou din lume, atunci când a fost vândut unui cumpărător privat confidențiale pentru suma 140 milioane dolari. Proprietarul anterior a fost de film și muzică, producător David Geffen. Se zvonește că proprietarul actual este un om de afaceri și colecționarul de artă germană.
I november 2006, Pollock är nr 5, 1948 blev världens dyraste målning, då det såldes privat till en hemlig köpare för summan av $ 140.000.000. Den tidigare ägaren var film och musik-producenten David Geffen. Det ryktas att den nuvarande ägaren är en tysk affärsman och konstsamlare.
O 140.000.000 $ toplamı için açıklanmayan bir alıcıya özel olarak satıldığı zaman 2006 yılının Kasım ayında, Pollock No 5, 1948, dünyanın en pahalı resim oldu. Önceki sahibi film ve müzik yapımcısı David Geffen oldu. Mevcut sahibi Alman işadamı ve sanat koleksiyoncusu olduğu söyleniyor.
Trong tháng 11 năm 2006, số Pollock 5, 1948 đã trở thành bức tranh đắt nhất thế giới, khi nó được bán cho một người mua tư nhân không được tiết lộ cho tổng của $ 140,000,000. Các chủ sở hữu trước đó là phim ảnh và âm nhạc nhà sản xuất David Geffen. Có tin đồn rằng các chủ sở hữu hiện tại là một doanh nhân và nghệ thuật thu Đức.
Pada bulan November 2006, Pollock No 5, 1948 menjadi lukisan yang paling mahal di dunia, apabila ia telah dijual peribadi kepada pembeli yang tidak didedahkan bagi jumlah sebanyak $ 140,000,000. Pemilik sebelumnya adalah filem dan muzik-penerbit David Geffen. Ia adalah khabar angin bahawa pemilik semasa adalah seorang ahli perniagaan dan seni Jerman pengumpul.
  Jackson Pollock Schilde...  
Om het belang van Jackson Pollock’s schilderijen in de ontwikkeling en populariteit van de moderne kunst te begrijpen is het belangrijk om te onthouden dat in 1973, Blue Polen werd gekocht door de Australische Whitlam regering voor de National Gallery of Australia voor US $ 2.000.000 (AU $ 1.300.000 aan de moment van betaling).
Pour comprendre l’importance des peintures de Jackson Pollock dans le développement et la popularité de l’art moderne, il est important de rappeler que, en 1973, Blue Poles a été acheté par le Whitlam gouvernement australien pour la National Gallery of Australia pour 2 millions de dollars (UA $ 1,3 millions au moment du paiement). À l’époque, ce fut le prix le plus élevé jamais payé pour une peinture moderne.
Um die Bedeutung der Jackson Pollocks Gemälden in die Entwicklung und Popularität der modernen Kunst zu verstehen, ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass im Jahr 1973, Blue Poles wurde von der Australian Whitlam Regierung für die National Gallery of Australia für US gekauft 2.000.000 $ (AU $ 1.300.000 an die Zeitpunkt der Zahlung). Zu der Zeit war dies der höchste Preis, der jemals für ein modernes Gemälde bezahlt.
Para entender la importancia de las pinturas de Jackson Pollock en el desarrollo y la popularidad del arte moderno, es importante recordar que en 1973, Blue Poles fue comprado por el Gobierno Whitlam de Australia para la Galería Nacional de Australia por US $ 2 millones (AU $ 1.3 millones en el momento del pago). En ese momento, este fue el precio más alto jamás pagado por una pintura moderna.
Para compreender a importância das pinturas de Jackson Pollock no desenvolvimento e na popularidade da arte moderna, é importante lembrar que, em 1973, Blue Poles foi adquirido pelo Governo Whitlam da Austrália para a Galeria Nacional da Austrália por US $ 2 milhões (R $ 1,3 milhões em momento do pagamento). Na época, este foi o preço mais alto já pago por uma pintura moderna.
Chcete-li pochopit význam Jacksona Pollocka obrazů ve vývoji a popularity moderního umění, je důležité si uvědomit, že v roce 1973, modrá Poláci koupila australskou Whitlam vlády pro Národní galerie Austrálie pro nás 2.000.000 dolarů (AU 1.300.000dolar na čas platby). V té době, to byl vůbec nejvyšší zaplatili za moderního malířství cena.
For at forstå betydningen af ​​Jackson Pollocks malerier i udviklingen og populariteten af ​​moderne kunst er det vigtigt at huske, at i 1973 blev Blå polakker købt af den australske Whitlam regering til National Gallery of Australia for 2 millioner dollars (AU $ 1300000 på betalingstidspunktet). På det tidspunkt, var det den højeste pris nogensinde betalt for et moderne maleri.
Ymmärtää merkityksen Jackson Pollock maalaukset kehittämisessä ja suosio nykytaiteen on tärkeää muistaa, että vuonna 1973, Blue puolalaisten osti Australian Whitlam hallituksen Australian kansallinen taidemuseo on 2 miljoonaa dollaria (AU 1.300.000 dollaria at maksuhetkellä). Tuolloin tämä oli korkein hinta koskaan maksettu modernin maalauksen.
Til að skilja mikilvægi þess að málverkum Jackson Pollock er í þróun og vinsældir af nútíma list er mikilvægt að muna að árið 1973, Blue Pólverjar var keypt af ástralska Whitlam ríkisstjórnarinnar fyrir Listasafni Ástralíu fyrir US $ 2 milljónir (AU $ 1.300.000 á að tími greiðslu). Á þeim tíma, þetta var hæsta verð alltaf greitt fyrir nútíma málverk.
Untuk memahami pentingnya lukisan Jackson Pollock dalam pengembangan dan popularitas seni modern adalah penting untuk diingat bahwa pada tahun 1973, Biru Polandia dibeli oleh Whitlam Pemerintah Australia untuk National Gallery of Australia untuk US $ 2 juta (AU $ 1.300.000 pada waktu pembayaran). Pada saat itu, ini adalah harga tertinggi yang pernah dibayarkan untuk sebuah lukisan modern.
For å forstå betydningen av Jackson Pollocks malerier i utviklingen og populariteten av moderne kunst er det viktig å huske at det i 1973 ble Blå polakker kjøpt av den australske Whitlam regjeringen for National Gallery of Australia for USD 2 millioner (AU $ 1,300,000 på betalingstidspunktet). På den tiden var dette den høyeste prisen noensinne betalt for en moderne maleri.
Aby zrozumieć znaczenie malarstwa Jacksona Pollocka w rozwoju i popularności sztuki współczesnej ważne jest, aby pamiętać, że w 1973 roku, Niebieski Polacy został zakupiony przez rząd australijski Whitlam dla National Gallery of Australia za 2 miliony dolarów (AU 1.300.000 dolary w termin płatności). W tym czasie była to najwyższa cena kiedykolwiek zapłacona dla współczesnego malarstwa.
Pentru a înțelege importanța de picturi Jackson Pollock în dezvoltarea și popularitatea de artă modernă, este important să ne amintim că în 1973, albastru polonezi a fost achiziționat de către Whitlam Guvernul australian pentru National Gallery of Australia pentru 2 milioane dolari SUA (AU 1300000 dolari la timp de plată). La momentul respectiv, aceasta a fost cel mai mare pret platit vreodata pentru o pictura moderna.
För att förstå betydelsen av Jackson Pollock målningar i utvecklingen och populariteten av modern konst är det viktigt att komma ihåg att 1973, var blå polacker köptes av svenska Whitlam regeringen för National Gallery of Australia för 2 miljoner USD (AU $ 1.300.000 vid tidpunkten för betalning). På den tiden var detta det högsta pris som någonsin betalats för en modern målning.
Modern sanatın gelişmesine ve popülaritesi Jackson Pollock resimlerinde önemini anlamak için 1973 yılında, Mavi Polonyalılar ABD Avustralya National Gallery Avustralya Whitlam Hükümeti tarafından satın alındığını hatırlamak önemlidir 2.000.000 $ (AU de 1.300.000 $ Ödeme süresi). Zamanda, bu şimdiye kadar modern bir boyama için ödenen en yüksek fiyat oldu.
Để hiểu được tầm quan trọng của bức tranh Jackson Pollock trong sự phát triển và phổ biến của nghệ thuật hiện đại, điều quan trọng cần nhớ là vào năm 1973, Blue Ba Lan đã được mua bởi các Whitlam Chính phủ Úc cho Thư viện Quốc gia Úc cho Mỹ là $ 2.000.000 (AU $ 1.300.000 đồng thời điểm thanh toán). Vào thời điểm đó, đây là mức giá cao nhất từng được trả cho một bức tranh hiện đại.
Untuk memahami kepentingan lukisan Jackson Pollock dalam pembangunan dan populariti seni moden adalah penting untuk ingat bahawa pada tahun 1973, Blue Poland dibeli oleh Whitlam Kerajaan Australia untuk Galeri Nasional Australia untuk AS $ 2 juta (AU $ 1.3 juta pada masa pembayaran). Pada masa itu, ini adalah harga tertinggi yang pernah dibayar untuk lukisan moden.
  Andy Warhol Prints, Pos...  
Andy Warhol was een beroemde Amerikaanse schilder, commercieel illustrator en filmmaker die een leidende figuur in de pop art beweging was. Warhol werd ook bekend als een avant-garde filmmaker, producer, auteur.
Andy Warhol fue un famoso pintor americano, ilustrador comercial y cineasta que fue una figura destacada en el movimiento de arte pop. Warhol también se hizo famoso como un cineasta de vanguardia, productor, autor. Pinturas de Warhol son todavía fresco incluso hoy en día, y muchos optan por añadir a sus paredes del dormitorio o salón. Muchas pinturas de Warhol se adaptan al estilo moderno y contemporáneo de las casas del siglo 21, y su trabajo va viento en popa.
Andy Warhol foi um famoso pintor americano, ilustrador comercial e cineasta que foi uma figura importante no movimento pop art. Warhol também se tornou famoso como um cineasta avant-garde, produtor musical, autor. Warhol pinturas ainda estão frescas ainda hoje, e muitos optam por adicioná-los ao seu quarto ou sala de estar paredes. Muitas pinturas de Warhol adequar ao estilo moderno e contemporâneo de casas do século 21, e seu trabalho vai da força à força.
Andy Warhol ήταν ένας διάσημος Αμερικανός ζωγράφος, εικονογράφος εμπορική και σκηνοθέτης ο οποίος ήταν μια ηγετική φυσιογνωμία στο κίνημα της Pop Art. Warhol, επίσης, έγινε διάσημος ως σκηνοθέτης avant-garde, παραγωγός αρχείων, συγγραφέας. Γουόρχολ έργα ζωγραφικής είναι ακόμη νωπές ακόμη και σήμερα, και πολλοί επιλέγουν να τα προσθέσετε στο υπνοδωμάτιο ή το σαλόνι τους τοίχους. Πολλοί πίνακες του Warhol ταιριάζει με το σύγχρονο σύγχρονο στυλ των σπιτιών του 21ου αιώνα, και το έργο του πηγαίνει από τη δύναμη στη δύναμη.
Andy Warhol byl slavný americký malíř, ilustrátor a komerční filmař, který byl vůdčí postavou v hnutí pop art. Warhol také proslul jako avantgardní filmař, hudební producent, autor. Warhol obrazy jsou stále čerstvé i dnes, a mnozí rozhodnete přidat do jejich ložnice nebo obývací stěny. Mnoho Warhol obrazy vyhovoval moderním stylu 21. století domovů, a jeho práce jde od úspěchu k úspěchu.
Andy Warhol var en berømt amerikansk maler, kommerciel illustrator og filmskaber, der var en ledende figur i pop-art bevægelsen. Warhol blev også berømt som en avantgarde filmskaber, pladeproducer, forfatter. Warhol malerier er stadig frisk, selv i dag, og mange vælger at tilføje dem til deres soveværelse eller stue vægge. Mange Warhol malerier passer til moderne moderne stil af det 21. århundrede hjem, og hans arbejde går fra styrke til styrke.
Andy Warhol oli kuuluisa amerikkalainen taidemaalari, kaupallinen kuvittaja ja elokuvantekijä, joka oli johtava hahmo pop art liikettä. Warhol tuli myös kuuluisa kuin avant-garde elokuvantekijä, levytuottaja, laatija. Warhol maalaukset ovat vielä tuoreessa vielä tänään, ja monet haluavat lisätä heitä makuuhuoneeseen tai lounge seiniä. Monet Warholin maalaukset sopivat modernin nykyaikaiseen tyyliin 21-luvulla koteihin, ja hänen työnsä menee vahvistunut.
Andy Warhol ar frægur bandarískur málari, auglýsing Illustrator og kvikmyndagerðarmaður sem var leiðandi tala í pop list hreyfingu. Warhol varð einnig frægur sem avant-garde kvikmyndagerðarmaður, skrá framleiðanda, höfund. Warhol málverk eru enn í fersku jafnvel í dag, og margir kjósa að bæta þeim við svefnherbergja eða setustofu veggja þeirra. Margir málverk Warhol henta nútíma nútíma stíl 21 heimili aldar og verk hans fer frá styrk til að styrkur.
Andy Warhol adalah seorang pelukis terkenal Amerika, ilustrator komersial dan pembuat film yang merupakan tokoh terkemuka dalam gerakan seni pop. Warhol juga menjadi terkenal sebagai pembuat film avant-garde, produser rekaman, penulis. Warhol lukisan masih segar bahkan hari ini, dan banyak memilih untuk menambahkannya ke kamar tidur atau ruang dinding mereka. Banyak lukisan Warhol sesuai dengan gaya kontemporer modern rumah abad ke-21, dan karyanya pergi dari kekuatan ke kekuatan.
Andy Warhol var en berømt amerikansk maler, kommersiell illustratør og filmskaper som var en ledende skikkelse i pop art bevegelsen. Warhol ble også kjent som en avant-garde filmskaper, plateprodusent, forfatter. Warhols malerier er fortsatt friskt selv i dag, og mange velger å legge dem til sine soverom eller stue vegger. Mange Warhol malerier passer den moderne tidsriktig stil av 21. århundre hjem, og hans arbeid går fra styrke til styrke.
Andy Warhol był słynny amerykański malarz, rysownik i filmowiec, który komercyjnych był czołową postacią w ruchu pop art. Warhol zasłynął jako filmowca awangardowego, producent muzyczny, autor. Obrazy Warhol są jeszcze świeże, nawet dzisiaj, a wiele wybrać, aby dodać je do sypialni lub w salonie ściany. Wiele obrazów Warhol spełnić nowoczesne nowoczesnym stylu z 21 domów wieku, a jego praca idzie w siłę.
Andy Warhol a fost un celebru pictor american, ilustrator comercial și regizor, care a fost o figură de frunte în mișcarea pop art. Warhol asemenea, a devenit cunoscut ca un cineast avant-garde, producator de discuri, autor. Picturi Warhol sunt încă proaspete și astăzi, și mulți aleg să le adăugați la pereții lor dormitor sau camera de zi. Multe picturi Warhol potrivi stilul modern contemporan de case secolului 21, iar munca sa merge de la putere la putere.
Andy Warhol var en berömd amerikansk målare, kommersiell illustratör och filmare som var en ledande figur i popkonströrelsen. Warhol blev också känd som en avant-garde filmare, skivproducent, författare. Warhol målningar är fortfarande färskt än idag, och många väljer att lägga till dem i deras sovrum eller vardagsrum väggar. Många Warhol målningar passar modern stil av 21: a århundradet hem, och hans arbete går från klarhet till klarhet.
Andy Warhol pop art hareketinin önde gelen isimlerinden olan ünlü Amerikalı ressam, ticari illüstratör ve film yapımcısı oldu. Warhol aynı zamanda bir avant-garde yönetmen, yapımcı kayıt, yazar olarak meşhur oldu. Warhol resimlerinde hala taze bugün bile ve birçok onların yatak odası veya salon duvarlarına eklemek için seçin. Birçok Warhol resimlerinde 21. yüzyıl evleri modern çağdaş tarzınıza uygun ve onun çalışma güçlenmek gider.
Andy Warhol là một họa sĩ nổi tiếng người Mỹ, illustrator thương mại và nhà làm phim là một nhân vật hàng đầu trong phong trào nghệ thuật pop. Warhol cũng trở nên nổi tiếng như một nhà làm phim tiên phong, nhà sản xuất bản ghi, tác giả. Tranh Warhol vẫn còn mới mẻ ngay cả ngày hôm nay, và nhiều lựa chọn để thêm chúng vào bức tường phòng ngủ hay phòng chờ của họ. Nhiều bức tranh Warhol phù hợp với phong cách hiện đại hiện đại của ngôi nhà thế kỷ 21, và công việc của mình đi từ sức mạnh đến sức mạnh.
Andy Warhol adalah seorang pelukis terkenal Amerika, ilustrator komersial dan pembikin filem yang merupakan seorang tokoh terkemuka dalam pergerakan seni pop. Warhol juga menjadi terkenal sebagai pembikin filem avant-garde, pengeluar rekod, pengarang. Lukisan Warhol masih segar sehingga ke hari ini, dan ramai yang memilih untuk menambahnya ke dinding bilik tidur atau ruang tamu mereka. Banyak lukisan Warhol sesuai dengan gaya kontemporari moden rumah abad ke-21, dan kerja-kerja yang pergi dari kekuatan untuk kekuatan.
  Andy Warhol Prints, Pos...  
Psychedelische gele gecombineerd met roze tot kunstliefhebbers verblinden en het aantrekken van jonge volgelingen naar de Pop Art beweging, waarvan Warhol was een van de boegbeelden. De koe foto kwam uit een agrarische afdruk die later in echte wallpaper werd herhaald door geobsedeerd Warhol.
Estilo atrevido de Warhol se muestra mejor en su serie de fondos de escritorio de la vaca que sigue siendo una opción popular entre los amantes de Warhol arte de todo el mundo. Amarillo psicodélico combinado con rosas para deslumbrar a los amantes del arte y atraer seguidores jóvenes hacia el movimiento Pop Art, de la que Warhol fue uno de los mascarones de proa. La foto de la vaca salió de una impresión agrícola que más tarde se repitió en bienes pintado por Warhol obsesionado.
Estilo corajoso de Warhol é mostrado melhor na sua série papel de parede da vaca que continua a ser uma escolha popular entre os amantes de arte de Warhol em todo o mundo. Amarelo psicadélico combinada com rosa para deslumbrar os amantes da arte e atrair jovens seguidores para com o movimento Pop Art, de que Warhol foi um dos figurantes. A foto da vaca veio de uma impressão agrícola que mais tarde foi repetida em papel de parede real por obcecado Warhol.
Τολμηρό στυλ Γουόρχολ φαίνεται καλύτερα στο Cow σειρά ταπετσαρία του, η οποία παραμένει μια δημοφιλής επιλογή στους λάτρεις του Γουόρχολ τέχνης σε όλο τον κόσμο. Psychedelic κίτρινο σε συνδυασμό με το ροζ για να θαμπώσει τους λάτρεις της τέχνης και να προσελκύσει νέους οπαδούς προς το κίνημα της Pop Art, εκ των οποίων ο Γουόρχολ ήταν ένα από τα ακρόπρωρα. Η φωτογραφία αγελάδα ήρθε από μια αγροτική εκτύπωσης που αργότερα επαναλήφθηκε σε πραγματικό ταπετσαρία από εμμονή του Warhol.
Warhol odvážný styl je nejlépe vidět v jeho Cow tapety sérii, která je stále populární volbou milovníků Warhol umění po celém světě. Psychedelic žlutá v kombinaci s růžové oslnit milovníky umění a přilákat mladé následovníky směrem k hnutí Pop Art, z nichž Warhol byl jeden z loutky. Foto kráva přišel ze zemědělského tisku, který později byl po opakovaném do reálného tapetu podle posedlý Warhol.
Warhols fed stil er vist bedst i sin ko tapet serien, som stadig er et populært valg med Warhol Kunstelskere fra hele verden. Psykedelisk gul kombineret med pinks at blænde kunstelskere og tiltrække unge tilhængere mod Pop Art bevægelse, hvoraf Warhol var en af ​​de galionsfigurer. Koen foto kom fra en landbrugs print, som senere blev gentaget i real tapet ved besat Warhol.
Warholin rohkea tyyli näkyy parhaiten hänen Cow taustakuva sarja, joka on edelleen suosittu valinta Warhol Art ystäville ympäri maailmaa. Psychedelic keltainen yhdistettynä pinkit häikäistä taiteen ystäville ja houkutella nuoria seuraajia kohti Pop Art liikettä, joista Warhol oli yksi keulakuvina. Lehmä valokuvan tuli maatalouden tulosta, joka myöhemmin toistettiin todellisiksi taustakuvan pakkomielle Warhol.
Feitletrun Warhol er best sést á Cow veggfóður hans röð sem enn vinsæll kostur hjá Warhol Art elskhugi um allan heim. Psychedelic gulur ásamt pinks að dazzle elskhugi list og laða unga liði gagnvart Pop Art hreyfingar, sem Warhol var einn af figureheads. The kýr ljósmynd kom frá landbúnaði prenta sem síðar var endurtekin í alvöru veggfóður með heltekinn Warhol.
Gaya berani Warhol ditunjukkan terbaik dalam bukunya Sapi seri wallpaper yang tetap menjadi pilihan populer dengan pecinta Warhol Seni di seluruh dunia. Kuning Psychedelic dikombinasikan dengan pink untuk menyilaukan pecinta seni dan menarik pengikut muda terhadap gerakan Pop Art, yang Warhol adalah salah satu boneka. Foto sapi berasal dari cetak pertanian yang kemudian diulang menjadi nyata wallpaper oleh terobsesi Warhol.
Warhols fet stil vises best i sin Cow tapet serie som fortsatt er et populært valg med Warhol Kunstelskere over hele verden. Psykedelisk gult kombinert med rosa å blende kunstelskere og tiltrekke unge etterfølgere mot Pop Art bevegelsen, som Warhol var en av de figure. Kua bildet kom fra et landbruks print som senere ble gjentatt i ekte tapet av besatt Warhol.
Śmiały styl Warhola pokazano najlepsze w swojej Cow serii tapetę, która pozostaje popularny wśród miłośników Warhol sztuki na całym świecie. Psychedelic żółty w połączeniu z róże olśnić miłośników sztuki i przyciągnąć młodych zwolenników kierunku ruchu Pop Art, z których Warhol był jednym z figuranci. Photo krowa pochodziła z nadrukiem rolnej, które później powtórzono w prawdziwe tapety przez obsesję Warhola.
Stilul îndrăzneț Warhol este prezentată cel mai bine în seria de jocuri de vacă, care rămâne o alegere populara cu iubitorii de artă Warhol din întreaga lume. Galben psihedelice combinate cu roz pentru a uimi iubitorii de arta si atrage fani tineri față de mișcarea Pop Art, dintre care Warhol a fost unul dintre figuri. Fotografia vaca a venit de la o imprimare agricolă care ulterior a fost repetată în tapet reale de obsedat Warhol.
Warhols fet stil visas bäst i sin ko tapeter serien som fortfarande ett populärt val med Warhol Konstälskare världen över. Psychedelic gul kombinerat med rosa att blända konstälskare och locka unga anhängare mot popkonst rörelsen, varav Warhol var en av de galjonsfigurer. Kon bild kom från en jordbruks tryck som senare upprepades i verkliga tapet från besatt Warhol.
Warhol’un cesur tarzı dünyada Warhol Sanat severler ile popüler bir seçim olmaya devam onun İnek duvar kağıdı serisinin en gösterilmiştir. Psychedelic sarı sanatseverlere kamufle ve Warhol figureheads biriydi olan Pop Art hareketinin doğru genç takipçileri çekmek için pembe ile birlikte. inek fotoğraf sonradan takıntılı Warhol tarafından gerçek duvar kağıdı içine tekrarlandı bir tarım baskı geldi.
Phong cách táo bạo của Warhol được hiển thị tốt nhất ở Cow nền series của mình mà vẫn là một lựa chọn phổ biến với những người yêu thích nghệ thuật Warhol trên toàn thế giới. Vàng ảo giác kết hợp với màu hồng để mê hoặc những người yêu thích nghệ thuật và thu hút tín đồ trẻ hướng tới phong trào nghệ thuật Pop, trong đó Warhol là một trong những bù nhìn. Bức ảnh con bò đến từ một bản in nông nghiệp mà sau này được lặp đi lặp lại thành hình nền động sản bằng cách ám ảnh Warhol.
Gaya berani Warhol yang ditunjukkan terbaik dalam siri kertas dinding lembu beliau yang masih menjadi pilihan yang popular di kalangan pencinta Warhol Seni di seluruh dunia. Kuning Psychedelic digabungkan dengan merah jambu mengkagumkan pencinta seni dan menarik pengikut muda terhadap pergerakan Seni Pop, di mana Warhol adalah salah satu figureheads. Gambar lembu datang dari cetak pertanian yang kemudiannya diulangi ke dinding sebenar oleh taksub Warhol.
  Andy Warhol Prints, Pos...  
Campbell’s Soup merk werd ook nauw verbonden met Warhol na zijn serie schilderijen die veel van de carrière van Warhol’s overspannen, zoals hij vaak kwam terug naar de soep kan als hulpmiddel voor creativiteit.
Después de la muerte de Marilyn Monroe de Andy Warhol produjo varias series de pinturas de ella, sobre la base de la misma fotografía original. Warhol disfrutaba de su conexión entre la muerte y el culto a la celebridad y así la eligió como una estrella de Warhol. Warhol probó muchas variedades de combinaciones de colores. Marca sopa Campbell también se vinculó estrechamente a Warhol después de su serie de pinturas que se extendió por gran parte de la carrera de Warhol, como comúnmente se regresó a la imagen Lata de Sopa como una herramienta para la creatividad. Estos temas fuertemente marca trajeron en los jóvenes y dieron importancia y relevancia para el movimiento de arte pop.
Após a morte de Marilyn Monroe de Andy Warhol produziu várias séries de pinturas dela, com base na mesma foto original. Warhol gostava de sua conexão entre a morte ea celebridade cult e por isso escolheu-a como uma estrela Warhol. Warhol experimentou muitas variedades de combinações de cores. Marca sopa Campbell também foi estreitamente ligada à Warhol após sua série de pinturas que mediram tanto da carreira de Warhol, como ele comumente voltou para a imagem Soup Can como uma ferramenta para a criatividade. Estes temas fortemente marca trouxe jovens e deu importância e relevância para o movimento de pop art.
Μετά το θάνατο της Μέριλιν Μονρόε Andy Warhol παρήγαγε διάφορες σειρές έργων ζωγραφικής της, με βάση την ίδια αρχική φωτογραφία. Warhol απολάμβανε τη σύνδεσή της μεταξύ του θανάτου και η λατρεία προσωπικοτήτων και έτσι την επέλεξε ως Warhol Star. Warhol δοκιμάσει πολλές ποικιλίες των χρωματικών συνδυασμών. Σούπα μάρκα Campbell ήταν επίσης στενά με τον Warhol μετά από σειρά έργων του η οποία διήρκεσε μεγάλο μέρος της σταδιοδρομίας του Γουόρχολ, όπως ο ίδιος συχνά επέστρεψε στην εικόνα σούπα μπορεί ως ένα εργαλείο για τη δημιουργικότητα. Αυτά τα βαριά επώνυμα θέματα έφερε σε νέους ανθρώπους και έδωσε σημασία και στο κίνημα της Pop Art.
Poté, co Marilyn Monroe smrti Andy Warhol produkoval několik sérií obrazů s ní, založené na stejném původní fotografie. Warhol si užil její souvislost mezi smrtí a celebrit kult, a tak si vybral ji jako Warhol hvězda. Warhol vyzkoušel mnoho druhů barevných kombinacích. Campbellova polévka značka byla také úzce souvisí s Warholem po jeho série obrazů, které trval hodně Warhol kariéry, jak se obyčejně vrátil k obrazu Soup Can jako nástroj pro tvořivost. Tyto silně značkové témata přinesl u mladých lidí a dal význam a důležitost pro hnutí pop art.
Efter Marilyn Monroes død Andy Warhol producerede flere serier af malerier af hende, baseret på den samme oprindelige foto. Warhol nydt hendes forbindelse mellem død og celebrity kult og så valgte hende som Warhol Star. Warhol afprøvet mange sorter af farvekombinationer. Campbells Soup brand blev også knyttet nøje til Warhol efter sin serie af malerier, som kalibreres meget af Warhols karriere, da han ofte kom tilbage til Soup Can billedet som et redskab til kreativitet. Disse stærkt brandede temaer bragt unge og gav betydning og relevans for pop-art bevægelsen.
Jälkeen Marilyn Monroen kuolemasta Andy Warhol tuotti useita sarjan maalauksia hänen, joka perustuu samaan Alkuperäisen kuvan. Warhol nautti yhteys kuoleman ja julkkis kultti ja siten valitsi hänet Warhol Star. Warhol kokeili monia lajikkeita väriyhdistelmiä. Campbell Soup brändi nivoutuvat tiiviisti Warhol jälkeen hänen sarjan maalauksia, jotka kesti paljon Warholin uran, kun hän usein palasi Soup Can kuvan välineenä luovuutta. Näitä huomattavasti merkkituotteiden teemoja tuodaan nuoria ja antoi merkityksen ja merkitystä pop art liikettä.
Eftir dauða Marilyn Monroe er Andy Warhol framleiddi nokkur röð af málverkum af henni, miðað við sama upprunalegu mynd. Warhol naut tengsl hennar milli dauða og orðstír Cult og svo valdi hana sem Warhol Star. Warhol prófað margar tegundir af lit samsetningar. Súpa vörumerki Campbell var einnig nátengd Warhol eftir röð hans málverkum sem náðu mikið af ferli Warhol, eins og hann kom almennt aftur til Súpa Can mynd sem tæki til sköpunar. Þessar þungt vörumerki þemu fært í ungu fólki og gaf mikilvægi og þýðingu á pop list hreyfingu.
Setelah kematian Marilyn Monroe Andy Warhol diproduksi beberapa seri lukisan nya, berdasarkan foto asli yang sama. Warhol menikmati hubungannya antara kematian dan kultus selebriti dan memilih dia sebagai Warhol Star. Warhol mencoba banyak jenis kombinasi warna. Merek Soup Campbell juga terkait erat dengan Warhol setelah seri lukisan yang membentang lebih dari karir Warhol, karena ia sering kembali ke gambar Soup Can sebagai alat untuk kreativitas. Tema-tema berat bermerek membawa orang-orang muda dan memberi pentingnya dan relevansi dengan gerakan seni pop.
Etter Marilyn Monroes død Andy Warhol produsert flere serier med malerier av henne, basert på den samme originale bildet. Warhol likte henne sammenheng mellom død og kjendis kult og så valgte henne som Warhol Star. Warhol prøvd ut mange varianter av fargekombinasjoner. Campbell Soup merket ble også knyttet tett til Warhol etter hans serie malerier som spredte mye av Warhols karriere, som han ofte kom tilbake til Soup Can image som et verktøy for kreativitet. Disse tungt merkede temaer hentet inn unge og ga betydning og relevans for pop art bevegelsen.
Po śmierci Marilyn Monroe Andy’ego Warhola produkowane kilka serii obrazów nią, oparte na tej samej oryginalnej fotografii. Warhol zadowoleni z jej związek między śmiercią i kult gwiazd i tak wybrał ją jako Warhol Star. Warhol starał się wiele odmian kombinacjach kolorystycznych. Campbell Soup marki również ściśle powiązana Warhola po jego serii obrazów, które łączonych wiele kariery Warhola, jak powszechnie wrócił do Soup Can obrazu jako narzędzia kreatywności. Te silnie markowe tematy przyniósł młodych ludzi i dał wagę i znaczenie dla ruchu pop art.
După moartea lui Marilyn Monroe Andy Warhol a produs mai multe serii de picturi de ei, bazate pe același fotografia originală. Warhol bucurat legătură ei între moarte și celebritate cult și astfel ei au ales ca Warhol Star. Warhol incercat multe varietăți de combinatii de culori. Supa de brand Campbell a fost, de asemenea, legat strâns de Warhol, după seria de picturi care a durat mai mult de cariera lui Warhol, în timp ce de obicei întors la imaginea Supa Can ca un instrument de creativitate. Aceste teme puternic de marcă adus tinerilor și a dat importanță și relevanță pentru mișcarea pop art.
Efter Marilyn Monroe död Andy Warhol producerade flera serier av målningar av henne, som bygger på samma originalfotot. Warhol haft sin förbindelse mellan död och kändiskult och så valde henne som en Warhol Star. Warhol försökte ut många sorter av färgkombinationer. Campbells soppa varumärket också nära kopplad till Warhol efter sin serie av målningar som sträckte en stor del av Warhols karriär, då han kom ofta tillbaka till Soup Can bilden som ett verktyg för kreativitet. Dessa starkt märkes teman väckte hos unga människor och gav betydelse och relevans för popkonströrelsen.
Marilyn Monroe’nun ölümünden sonra Andy Warhol aynı orijinal fotoğrafın dayalı, onun resimlerinde birkaç serisi üretti. Warhol ölüm ve ünlü kült arasında onu bağlantıyı zevk ve böylece bir Warhol Star gibi onu seçti. Warhol renk kombinasyonları birçok çeşidi denedim. Campbell Soup markası da o yaygın yaratıcılık için bir araç olarak geri Çorba Can görüntüsüne geldi, Warhol’un kariyerinin çok yayılmış resimlerini yaptığı dizisinden sonra Warhol yakından bağlantılıydı. Bunlar ağır markalı temalar gençlerin getirdi ve pop art hareketinin önem ve alaka verdi.
Sau cái chết của Marilyn Monroe của Andy Warhol được sản xuất nhiều loạt những bức tranh của mình, dựa trên các bức ảnh cùng một nguồn gốc. Warhol thích kết nối của mình giữa cái chết và sự nổi tiếng đình đám và nên chọn cô ấy như một Warhol Star. Warhol đã cố gắng ra nhiều loại kết hợp màu sắc. Soup thương hiệu Campbell cũng đã được liên kết chặt chẽ với Warhol sau khi hàng loạt các bức tranh của mình mà kéo dài nhiều trong sự nghiệp của Warhol, như ông thường trở lại với hình ảnh Soup Can như một công cụ cho sự sáng tạo. Những chủ đề này rất nhiều thương hiệu mang lại cho những người trẻ và cho tầm quan trọng và liên quan đến phong trào nghệ thuật pop.
Selepas kematian Marilyn Monroe, Andy Warhol menghasilkan beberapa siri lukisan beliau, berdasarkan kepada gambar asal yang sama. Warhol dinikmati sambungan beliau antara kematian dan selebriti kultus dan sebagainya memilih beliau sebagai Warhol Star. Warhol mencuba pelbagai jenis kombinasi warna. Jenama Sup Campbell juga berkait rapat dengan Warhol selepas siri tentang lukisan yang membentang lebih daripada kerjaya Warhol, kerana dia sering datang kembali ke imej Sup Can sebagai alat untuk kreativiti. Tema banyak berjenama membawa anak-anak muda dan memberi kepentingan dan kaitan dengan pergerakan seni pop.
  Marc Chagall Schilderij...  
Voorafgaand aan het verlaten van de Verenigde Staten, Chagall werd beloond met retrospectieve tentoonstellingen van zijn werk bij de prestigieuze musea en kunstgalerijen, die de impact hij tijdens zijn korte tijd in Noord-Amerika had gemaakt onderstreept.
En 1948, l’artiste revient en France, où il est resté pour le reste de sa vie. Cela a toujours été d’être le pays dans lequel il se sentait plus à l’aise et aussi inspiré dans son travail. Avant de quitter les États, Chagall a été récompensé avec des expositions rétrospectives de son travail dans des musées prestigieux et galeries d’art, qui a souligné l’impact qu’il avait faite lors de son peu de temps en Amérique du Nord. MoMA a été le plus connu de ceux qui ont soutenu son travail, avec l’Institut d’art de Chicago aidant également à promouvoir son travail. Celles-ci restent parmi les galeries d’art les plus importantes, même aujourd’hui.
Im Jahr 1948 kehrte der Künstler nach Frankreich, wo er für den Rest seines Lebens. Das war immer das Land, in dem er die bequemste und auch in seinem Werk inspiriert fühlen. Vor der Staaten verlassen, Chagall wurde mit Retrospektiven seiner Arbeit an renommierten Museen und Kunstgalerien, die die Auswirkungen er während seiner kurzen Zeit in Nordamerika gemacht hatte unterstrichen belohnt. MoMA war der beste von denen, die seine Arbeit unterstützt, mit dem Art Institute of Chicago auch helfen, seine Arbeit zu fördern bekannt. Diese bleiben zu den bedeutendsten Kunstgalerien auch heute noch.
En 1948 el artista regresó a Francia, donde permaneció el resto de su vida. Esta fue siempre la de ser el país en el que se sentía más cómodo y también inspirado en su obra. Antes de salir de los Estados, Chagall fue recompensado con exposiciones retrospectivas de su obra en prestigiosos museos y galerías de arte, que subrayó el impacto que había hecho durante su corto tiempo en América del Norte. MoMA fue el más conocido de los que apoyaron su trabajo, con el Instituto de Arte de Chicago también ayudar a promover su trabajo. Estos permanecen entre las galerías de arte más importantes hoy en día.
Nel 1948 l’artista tornò in Francia, dove rimase per il resto della sua vita. Questo è stato sempre di essere il paese in cui si sentiva più comodo e anche ispirato nel suo lavoro. Prima di lasciare gli Stati Uniti, Chagall è stata premiata con mostre retrospettive del suo lavoro in prestigiosi musei e gallerie d’arte, che sottolinea l’impatto che aveva fatto durante il suo breve periodo di tempo in America del Nord. MoMA era il più noto di coloro che hanno appoggiato il suo lavoro, con l’Art Institute di Chicago anche contribuire a promuovere il suo lavoro. Questi rimangono tra le gallerie d’arte più significative anche oggi.
Em 1948, o artista voltou para a França, onde permaneceu para o resto de sua vida. Esta foi sempre a ser o país em que se sentia mais confortável e também inspirou em seu trabalho. Antes de deixar os Estados Unidos, Chagall foi recompensado com exposições retrospectivas de sua obra em prestigiados museus e galerias de arte, que sublinhou o impacto que ele tinha feito durante o seu curto período de tempo na América do Norte. MoMA foi o mais conhecido daqueles que apoiaram o seu trabalho, com o Instituto de Arte de Chicago, também ajudando a promover o seu trabalho. Estes permanecem entre as galerias de arte mais importantes até hoje.
V roce 1948 se umělec vrátil do Francie, kde zůstal po zbytek svého života. To bylo vždy být země, ve které se cítil nejpohodlnější a také inspiroval ve svém díle. Před opuštěním státům, Chagall byl odměněn s retrospektivních výstav jeho práci na prestižních muzeí a galerií, které upozornilo na dopad, který dal během svého krátkého času v Severní Americe. MoMA byl nejznámějším z těch, kteří podpořil jeho práci, s Art Institute of Chicago také pomáhá podporovat jeho práci. Ty zůstávají mezi nejvýznamnější galerií i dnes.
I 1948 kunstneren vendte tilbage til Frankrig, hvor han boede resten af ​​sit liv. Det var altid at være det land, hvor han følte sig mest komfortable og også inspireret i sit arbejde. Forud for forlader staterne, blev Chagall belønnet med retrospektive udstillinger af hans arbejde på prestigefyldte museer og kunstgallerier, hvilket understregede virkningen, han havde gjort under sin korte tid i Nordamerika. MoMA var den mest kendte af dem, der støttede hans arbejde, med Art Institute of Chicago også medvirke til at fremme sit arbejde. Disse forbliver blandt de mest betydningsfulde kunstgallerier selv i dag.
Vuonna 1948 taiteilija palasi Ranskaan, jossa hän jäi loppuelämänsä. Tämä oli aina olla maa, jossa hän tunsi mukavin ja myös innoitti työssään. Ennen lähtöä valtioille, Chagall palkittiin retrospektiivejä työstä arvostetuissa museoita ja gallerioita, joissa korostettiin vaikutusta hän oli tehnyt hänen lyhyen ajan Pohjois-Amerikassa. MoMA oli parhaiten tunnettu, jotka tukevat hänen työtään, jossa Art Institute of Chicago myös helpottamalla työnsä. Nämä pysyvät joukossa merkittävimmät taidegalleriat vielä tänään.
1948 में कलाकार वह अपने जीवन के आराम के लिए रुके थे, जहां फ्रांस, लौट आए। यह वह सबसे अधिक आरामदायक है और यह भी अपने काम में प्रेरित महसूस किया, जिसमें देश होने के लिए हमेशा से था। अमेरिका छोड़ने से पहले, चगल वह उत्तरी अमेरिका में अपने कम समय के दौरान बनाया था प्रभाव को रेखांकित किया, जो प्रतिष्ठित संग्रहालय और कला दीर्घाओं में अपने काम के पूर्वव्यापी प्रदर्शनियों, साथ पुरस्कृत किया गया। मोमा सबसे अच्छा शिकागो के कला संस्थान भी अपने काम को बढ़ावा देने के लिए मदद करने के साथ, अपने काम का समर्थन किया है जो उन लोगों में से जाना जाता था। इन सबसे महत्वपूर्ण कला दीर्घाओं के बीच आज भी रहते हैं।
Árið 1948 listamaðurinn aftur til Frakklands, þar sem hann dvaldi fyrir the hvíla af lífi sínu. Þetta var alltaf að vera landið þar sem hann fannst þægilegur og einnig innblástur í verk hans. Fyrir að yfirgefa ríki, Chagall var verðlaunaður með afturvirkum sýningum vinnu hans á virtu söfn og listasöfnum, sem lögðu áherslu á áhrif hann hafði gert á stuttum tíma hans í Norður-Ameríku. MoMA var best þekktur af þeim sem studdu verk hans, með Art Institute of Chicago einnig hjálpa til að kynna verk hans. Þetta enn meðal mikilvægustu listagalleríum jafnvel í dag.
Pada tahun 1948 artis kembali ke Perancis, di mana ia tinggal selama sisa hidupnya. Ini selalu menjadi negara di mana ia merasa paling nyaman dan juga terinspirasi dalam karyanya. Sebelum meninggalkan Amerika, Chagall dihargai dengan pameran retrospektif karyanya di museum bergengsi dan galeri seni, yang menggarisbawahi dampak ia dibuat selama waktu yang singkat di Amerika Utara. MoMA adalah yang paling terkenal dari mereka yang didukung karyanya, dengan Art Institute of Chicago juga membantu untuk mempromosikan karyanya. Ini tetap antara galeri seni yang paling signifikan bahkan hari ini.
I 1948 returnerte artist til Frankrike, hvor han bodde for resten av sitt liv. Dette var alltid til å være det landet hvor han følte seg mest komfortabel og også inspirert i sitt arbeid. Før du forlater USA, ble Chagall belønnet med retrospektive utstillinger av hans arbeid på prestisjetunge museer og kunstgallerier, som understreket betydningen han hadde gjort i løpet av sin korte tid i Nord-Amerika. MoMA ble den mest kjente av de som støttet hans arbeid, med Art Institute of Chicago også bidra til å fremme sitt arbeid. Disse er fortsatt blant de mest betydelige kunstgallerier selv i dag.
W 1948 roku artysta powrócił do Francji, gdzie pozostał do końca życia. To był zawsze będzie krajem, w którym czuł się najbardziej komfortowo, a także inspirowane w swojej pracy. Przed opuszczeniem członkowskich, Chagall został nagrodzony retrospektywnych wystaw jego prac na prestiżowych muzeów i galerii sztuki, w których podkreślono wpływ uczynił w czasie jego krótkiego czasu w Ameryce Północnej. MoMA był najbardziej znany z tych, który wycofał swoją pracę, w Art Institute of Chicago pomaga także promować swoją pracę. To pozostaje jednym z najbardziej znaczących galerii sztuki do dziś.
În 1948 artistul a revenit în Franța, unde a rămas pentru tot restul vieții sale. Acest lucru a fost întotdeauna de a fi țara în care se simțea cel mai confortabil și, de asemenea, inspirat în opera sa. Înainte de a părăsi Statele, Chagall a fost recompensat cu expoziții retrospective ale muncii sale, la muzee prestigioase și galerii de artă, care a subliniat impactul pe care o făcuse în timpul scurt timp în America de Nord. MoMA a fost cel mai cunoscut dintre cei care sprijinit activitatea sa, cu Institutul de Artă din Chicago, de asemenea, ajuta la promovarea operei sale. Acestea rămân printre cele mai importante galerii de arta si astazi.
År 1948 konstnären återvände till Frankrike, där han stannade för resten av sitt liv. Det var alltid att vara det land där han kände sig mest bekväma och också inspirerat i sitt arbete. Innan du lämnar staterna, var Chagall belönas med retrospektiva utställningar av hans arbete på prestigefyllda museer och konstgallerier, som understrukna påverkan han hade gjort under sin korta tid i Nordamerika. MoMA var den mest kända av dem som stödde hans arbete, med Art Institute of Chicago hjälper också till att främja sitt arbete. Dessa förblir bland de mest betydelsefulla konstgallerier även i dag.
1948 yılında sanatçı hayatının geri kalanı için kaldı Fransa’ya geri döndü. Bu onun en rahat ve aynı zamanda eserinde ilham hissetti hangi ülke olmak her zaman oldu. Devletlerin ayrılmadan önce, Chagall o Kuzey Amerika’da yaptığı kısa süre içinde yapmıştı etkisini altını çizdi prestijli müze ve sanat galerilerinde eserleri retrospektif sergi ile ödüllendirildi. MoMA iyi Chicago Sanat Enstitüsü de işini geliştirmek için yardımcı olan, işini destekli olanların biliniyordu. Bunlar en önemli sanat galerileri arasında bugün bile devam etmektedir.
Năm 1948, các nghệ sĩ trở về Pháp, nơi ông ở lại cho phần còn lại của cuộc đời mình. Điều này luôn luôn là quốc gia mà ông cảm thấy thoải mái nhất và cũng lấy cảm hứng trong công việc của mình. Trước khi rời Hoa, Chagall đã được tưởng thưởng với các triển lãm hồi cố của công việc của mình tại bảo tàng uy tín và phòng trưng bày nghệ thuật, trong đó nhấn mạnh tác động, ông đã thực hiện trong thời gian ngắn của ông ở Bắc Mỹ. MoMA đã là tốt nhất được biết đến của những người ủng hộ công việc của mình, với Viện Nghệ thuật Chicago cũng góp phần thúc đẩy công việc của mình. Những vẫn nằm trong số các phòng trưng bày nghệ thuật quan trọng nhất ngày nay.
Pada tahun 1948 artis kembali ke Perancis, di mana beliau tinggal selama sisa hidupnya. Ini sentiasa menjadi negara di mana dia merasa paling selesa dan juga diwahyukan kerjanya. Sebelum meninggalkan Amerika, Chagall ganjaran dengan pameran retrospektif kerja di muzium berprestij dan galeri seni, yang digariskan kesan yang telah dibuat dalam masa yang singkat di Amerika Utara. Moma telah yang paling terkenal daripada mereka yang disokong kerjanya, dengan Institut Kesenian Chicago juga membantu untuk mempromosikan kerjanya. Ini kekal di kalangan galeri seni yang paling penting hari ini.